El pasado día 30 de Enero tuvo lugar la segunda conferencia del ciclo “”Hablando de Música” sesión a cargo del profesor Fernández Vecino.
Comenzó con una breve introducción de la aportación de los instrumentos de cuerda a los periodos historicistas de la música a partir del Barroco, definiendo su concepto como una palabra de origen portugués cuyo significado, “perla deformada o joya falsa”, algo retorcido y tosco, áspero anticuado.
Se hizo referencia al concierto de la programación de de la O.CG, del próximo día 24 de Febrero, se interpretará la Sinfonía nº 21 de Mozart, Divertimento de Haydn, Sinfonía en Si bemol mayor de Pugnani, y el concierto para violín nº 23 de Vioti, de contenido barroco, interpretado y dirigido por Fabio Biondi, (Palermo, 15 de marzo de 1961) es un violinista y director de orquesta italiano, especialista en música barroca, fundador y director de la orquesta de música barroca Europa Galante. Visita que se produce para dirigir a nuestra Orquesta, por sexta vez en la vida de la O.C.G.
El inicio: Barroco temprano (1580-1630), Barroco medio (1630-1680), Barroco tardío (1680-1750), tuvo lugar con el desarrollo de distintas escuelas iniciadas por compositores y violinistas; sus características más definitorias son el uso del bajo continuo, (que facilitó el desarrollo de la armonía tonal a diferencia de la del Renacimiento modal), y el gusto por los fuertes contrastes sonoros entre las familias de instrumentos y el llamado lleno o orquesta en estilo concertante. La textura a varias voces destacando la principal y el bajo continuo (viola de gamba, fagot y clave), cómo armadura abreviando las intermedias, ésta textura es llamada bipolar o de monodia acompañada.
El inicio: Barroco temprano (1580-1630), Barroco medio (1630-1680), Barroco tardío (1680-1750), tuvo lugar con el desarrollo de distintas escuelas iniciadas por compositores y violinistas; sus características más definitorias son el uso del bajo continuo, (que facilitó el desarrollo de la armonía tonal a diferencia de la del Renacimiento modal), y el gusto por los fuertes contrastes sonoros entre las familias de instrumentos y el llamado lleno o orquesta en estilo concertante. La textura a varias voces destacando la principal y el bajo continuo (viola de gamba, fagot y clave), cómo armadura abreviando las intermedias, ésta textura es llamada bipolar o de monodia acompañada.
Las nuevas formas, (en la música experimental pura), la sonata, la suite y el concierto grosso, (en lo vocal), el motete, la opera y el oratorio.
La sonata Al igual que la palabra cantata designaba una composición para canto solista y bajo continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una composición para uno o dos instrumentos de cuerda o viento (violín, flauta travesera, oboe...) y bajo continuo, dividida en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-allegro (sonata da cámara) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da cheisa). Derivó de la canzona del Barroco temprano; la alternancia contrastante de movimientos sucesivos es paralela a la de la suite. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y Bach.
La sonata en trío Se designa para dos instrumentos agudos (frecuentemente violines), uno bajo, y el continuo, (el clavecín en la sonata da camera y el órgano en la sonata da chiesa) que era el encargado de completar las armonías, de modo que la triosonata requiere cuatro ejecutantes, pues la línea del bajo era interpretada por la viola de gamba, el bajón o un instrumento similar y el continuo doblaba esta línea y realizaba el "relleno armónico". Se destacan las obras de Corelli, Pergolesi, Sammartini, Händel, Buxtehude y Bach.
El concierto grosso A mediados del siglo XVII se convierte en el género instrumental más típico de la época. A diferencia de la música de cámara, cada parte es ejecutada por más de un instrumento, como ocurre típicamente en la orquesta. La ejecución a tutti alterna con pasajes a soli a la manera de la triosonata.
La suite Es un conjunto de movimientos o piezas de danza Agrupados, habitualmente tenía seis partes:
Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.
Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de compás ternario y frecuentes hemiolias.
Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su segundo pulso, de origen español.
Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen irlandés.
Minué: obra parecida a un vals. La suite suele contener dos minués emparejados.
Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de (B, C, D, etc.).
La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente rica, uniendo la variedad y decoro italianos a la gravedad alemana.
El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.
El oratorio Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una temática religiosa y no era representado escénicamente (esto es, era ejecutado al modo de las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesias, de Handel.
La Ópera Las corrientes humanistas buscaban una puesta al día del antiguo teatro griego, en particular el grupo conocido como Camerata Florentina, basándose al mismo tiempo en formas musicales recientes, como el Drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. Les interesaba sobre todo la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara. Vinzenzo Galilei, padre de Galileo el astrónomo, escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Música Antica e della Moderna. Los géneros musicales recitativo, espressivo y representativo llevan a nuevas libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones (disonancias y modulaciones).
Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue tomado de Las matemorfosis de Ovidio, Euridice, también de Jacopo Peri y Orfeo de Claudio Monteverdi.La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden números de cuatro tipos:
- Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.
- Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido). Hacia el final del periodo se impuso la forma A-B-A, llamada Aria da capo.
- Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial y, sobre todo, las danzas bailadas en escena.
- Coros, generalmente a cuatro voces.
Los compositores importantes que contribuyeron en Italia al movimiento musical Barroco, Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano. Su música contiene ya los estilos esenciales de la nueva época estética.
Claudio Monteverdi (1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró el nuevo género operístico en Italia y Europa. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus Toccatas para clavecín. A mediados de siglo, sobresale Giovanni Legrenzi (1626-1690).
Arcangelo Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) son los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII.
Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi (1678-1741), Tomaso Albinoni (1671-1751), Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) son los que más sobresalen, representando la cumbre y el ocaso barroco de su país.
Como broche final a su conferencia, nos ofreció la interpretación en vivo de una sonata dúo de violín de Corelli, acompañado por otro profesor del Conservatorio Profesional Ángel Barrios de Granada.
Inserto videos de obras barrocas.
Hasta pronto.
No hay comentarios:
Publicar un comentario