CONCIERTO SINFÓNICO 9 Fabio Biondi con la O.C.G. (24 de Febrero 2012)

Fabio Biondi (Palermo 15 de Marzo 1961) es un violinista y director de orquesta italiano, especialista en música barroca, fundador y director de la orquesta de música barroca Europa Galante.

En 2005, Biondi fue nombrado director artístico para la música barroca de la Stavanger Symphony Orchestra. Ha sido director invitado de numerosas orquestas, entre ellas la Orquesta Ciudad de Granada

Fabio Biondi, es una de las figuras más importantes e influyentes del Barroco de instrumentos de época el movimiento. Él estudió el violín con tanto Salvatore Cicerto y Mauro Lo Guercio antes de hacer su debut en concierto con la Orquesta Sinfónica de Radio Italia a la edad de doce años. Dio su primer recital en un violín barroco en el Musikverein de Viena cuando tenía dieciséis años y se fue a trabajar con estos grupos distinguidos como La Capella Royalel , Musica Antiqua de Viena y Il Seminario Musicale , antes de fundar su propio conjunto, Europa Galante , en 1989. Con Fabio Biondi como solista y director, Europa Galante sus interpretaciones de música barroca italiana, en particular, con rapidez los estableció como uno de los conjuntos más importantes del mundo. El deseo de Biondi para el rendimiento período libre de las convenciones asfixiante y el dogma musicológica ha dado lugar a algunas de las actuaciones más espontáneos y apasionados de este repertorio inagotable en los tiempos modernos. Europa Galante ofrece programas de conciertos que van desde la música de cámara a las cantatas, con la participación de entre cuatro y treinta músicos. Durante los últimos dos años el conjunto ha realizado los estrenos mundiales de Leonardo Leo 'Elena Calvario al Sant y Alessandro Scarlatti 's Massimo Puppieno y Clori, Dorino e Amore . En el año 2001, para la inauguración del Festival de Parma Verdi, Europa Galante presentará Bellini Norma en un estreno con instrumentos originales. Fabio Biondi grabaciones con Europa Galante han sido universalmente aclamada. El grupo de prestigiosos premios incluyen muchos de la Académie Charles Cros, Diapason d'Or de l'Année, RTL y el Gran Premio de Discophile Prix du. 'Escuchando a estas actuaciones [de L'Estro Armonico de Virgin] ', informó la revista Gramophone, "una vez más sintió un poco de la emoción y el entusiasmo que me afectó al oír esta música para la primera vez, en los mediados de 1950. Es algo maravilloso, rejuvenecedor y satisfactoria inmensamente. " En 1998, Fabio Biondi firmó un contrato exclusivo con Virgin Classics como solista y director de Europa Galante . Después de tres discos de concierto de gran éxito, entre ellos Antonio Vivaldi 's L'Estro Armonico , que publicó en marzo de 2001, su grabación de la cámara por primera vez con los miembros del grupo - quintetos de cuerda de Boccherini, que de inmediato Gramophone como 'esencial'. Este verano se estrena la tan esperada de una nueva grabación de A. Vivaldi 's Il cimento dell'Armonia e dell'inventione , la serie de 12 conciertos para violín, que incluye las cuatro estaciones , para lo cual Biondi ha estudiado los manuscritos originales en Manchester, Dresde y Turín.

Franz Joseph HAYDN

Divertimento a quattro en Re mayor.

En el enlace adjunto para escuchar parte de la obra.

http://www.diverdi.com/portal/detalle.aspx?id=45008

Wolfgang Amadé MOZART

Sinfonía nº 21 en La mayor KV 134.

Estructura

La sinfonía nº 21 en La mayor KV 134, está compuesta para dos flautas, dos trompas, y cuerdas. Consta de cuatro movimientos:

1.   Allegro,

2.   Andante,

3.   Menuetto: Trio,

4.   Allegro,

Después de escuchar la Sinfonía núm. 21, tengo la convicción de que estoy ante una obra perfecta de la genialidad de Mozart, coherencia, equilibrio, y redondez, no le falta ni le sobra una nota, sus acordes son de una efectividad melódica impresionantes, sus frases son ordenadas galantes, conclusivas, sus paradas, uniones entre ellas son sorpresivas. ¡Es Mozart!

En la literatura musical, el  establecimiento de la forma sinfonía, para los siglos venideros, reglada por Haydn, aquí se perfecciona aún más con sus cuatro movimientos, que expresan el primero alegría, el segundo andamos, el tercero bailando galantemente, para concluir con la despedida de su rondó fraseando adiós, adiós y adiós después de cada disgregación.

Giulio Gaetano Gerolamo Pugnani fue un compositor y violinista italiano nacido el 27 de noviembre de 1731 y fallecido el 15 de Julio de1798. 

Nacido enTurín, se formó en el estudio del violín bajo Giovanni Battista Somis y Giuseppe Tartini. En 1752, Pugnani se convirtió en el primer violinista de la Capilla Real de Turín. Luego se fue en una gran gira que le otorgó gran fama por su extraordinaria habilidad con el violín. En 1754, fue muy bien recibido en el Concierto Espiritual en París, pero en 1768 tuvo aún más éxito, dirigiendo en el Her Majesty's Theatre de Londres desde 1767 hasta 1769.

En 1770, regresó a su hogar en Turín y se convirtió en el director de la Capilla Real. Su fama como compositor empezó a crecer, pero nunca igualó a la de violinista. Durante este tiempo, también enseñó el violín. Su alumno más famoso fue Giovanni Battista Viotti; de 1780 a 1782 actuó en Suiza, Dresde Varsovia y San Petersburgo. Pugnani murió en Turín.

Sinfonía en Si bemol mayor

Mozart viaja a Paris con su madre, en el camino pasa nuevamente por la ciudad alemana de Mannheim, quedando sorprendido de la orquesta de la localidad, (igual a las actuales) y aprende a emplearla en sus composiciones venideras.

Ya en Paris, no fue muy afortunada su estancia, primero por la muerte de su madre después de enfermar, en lo profesional a excepción del encargo de una sinfonía la nº31 “Paris” en Re mayor KV 31, que estrena con éxito suprimiendo el minueto, para adaptarse al gusto francés, volviendo a los seis meses a Austria.

Comienza la obra con llamamiento de atención de dos acordes de toda la orquesta al unísono respondiendo las maderas con las cuerdas, empleando en los sucesivos tutti todas las posibilidades de la instrumentación completa, uniéndolas a todas sus disgregaciones equilibradas para formar un todo armónico. Aprecio en ciertos pasajes melódicos un anticipo bastante generoso de su opera futura Don Giovanni. El segundo movimiento andante, yo lo llamaría galante, intimo y recogido en forma de rondó pausado, complementando el minueto suprimido, flautas, trompas y cuerdas dialogan en el primer tema, seguido de un segundo tema cuya melodía la inician los violines contestando clarinetes y fagotes y luego por flautas y oboes. El tercer movimiento, con su tema fugado, forma barroca, es formidable, para dar en todo él un anticipo de solemnidad sinfónica del futuro Beethoven y de compositores románticos venideros.

Wolfgang Amadé MOZART
Sinfonía núm. 31 en Re mayor, "París", KV 297

http://www.orquestaciudadgranada.es/img/descargas/OCG11-12-Sinfonico9-mano.pdf

Hasta pronto.

CONCIERTO SINFÓNICO 8 (17 Febrero 2012) O.C.G.

El Concierto Sinfónico 8 que ofrecerá la Orquesta Cuidad de Granada el 17 de Febrero 2012 en el Auditorio Manuel de Falla,está basado en la inspiración de obras literarias, mezclado con semblanzas y emociones de Rautavaara, Sibelius y Honegger, compositores programados para éste concierto.

Einojuhani Rautavaara nació en Helsinki y estudió en la Academia Sibelius de esta ciudad desde 1948 hasta 1952, antes de que Jean Sibelius lo recomendara para conseguir una beca para estudiar en la Juilliard School de Nueva York. Allí recibió lecciones de Aaron Copland en Tanglewood. Destacó por primera vez en el plano internacional cuando ganó el Thor Johnson Contest por su composición Un Réquiem en nuestro tiempo en 1954.

Rautavaara fue profesor no numerario en la Academia Sibelius desde 1957 hasta 1959, archivero de música de la Orquesta Filarmónica de Helsinki desde 1959 hasta 1961, rector del Instituto de Música Käpylä en Helsinki desde 1965 hasta 1966, profesor numerario en la Academia Sibelius desde 1966 hasta 1976, profesor artístico (nombrado por el Consejo de las Artes de Finlandia) desde 1971 hasta 1976, y profesor de composición en la Academia Sibelius desde 1976 hasta 1990

Rautavaara es un compositor prolífico y ha escrito en una gran variedad de formas y estilos. Gran parte de su obra es bastante accesible y se ha probado que es ciertamente popular. Experimentó con técnicas seriales al comienzo de su carrera, pero las dejó atrás en la década de 1960 e incluso sus trabajos seriales no son claramente seriales. Su tercera sinfonía, por ejemplo, usa esas técnicas, pero suena más como a Anton Bruckner que como a compositores seriales tradicionales como Pierre Boulez. Sus últimos trabajos a menudo tienen algún elemento místico (por ejemplo, varias obras con títulos haciendo referencia ángeles). Un sonido característico de Rautavaara podría ser un tema rapsódico de belleza austera interpretado por las  cuerdas, con sonidos reiterados de una flauta, suaves campanas disonantes y quizás la sugestión de un corno pastoral.

Sus composiciones incluyen ocho sinfonías, varios conciertos, trabajos corales (varios sin acompañamiento instrumental, incluyendo Vigilia (1971–1972)), sonatas para varios instumentos, cuartetos de cuerda y otra música de camara, además de varias óperas biográficas incluyendo Vincent (1986–1987, basada en la vida de Vincent Van Gogh), Aleksis Kivi (1995–1996) y Rasputin (2001–2003). Algunos trabajos tienen partes para cinta magnética, incluyendo Cantus Arcticus (1972, también conocido como Concierto para pájaros y orquesta) para cantos de pájaros grabados en cinta y orquesta, y Unicornio verdadero y falso (1971, segunda versión de 1974, revisada en 2001–02), cuya versión final es para tres recitadores, coro, orquesta y cinta.

Sus últimos trabajos son orquestales, incluyendo Libro de visiones (2003–2005), Trilogía Manhattan (2003–2005) y Antes de los Iconos (2005) que es una versión ampliada de su anterior composición pianística Iconos. En 2005 acabó un trabajo para violín y piano llamado Paisajes perdidos, encargado por el violinista Midori Goto.

Se han grabado muchas de las obras de Rautavaara, siendo un éxito popular y de crítica una interpretación de su séptima sinfonía, Ángel de la Luz (1995), por la Orquesta filarmónica de Helsinki dirigida por Leif Segerstam con el sello Ondine - esta interpretación fue nominada para varios premios, incluyendo un Grammy.

Lintukoto (“lintu pájaro y koto casa”) en lengua finesa, es un poema literario del escritor nacional de Firlandia Aleksis Kvi en el cual se inspiró Rautavaara, para componer la suitte musical La isla de la dicha, mezclados con recuerdos personales de sus estancias en los veranos en una isla del mar Báltico.  Por la tarde avanzada, pude ver un gran pajaro volar majestuosamente sobre las rocas de la orilla del mar; y por la mañana estaba allí, yacente, muerto. Los pescadores me contaron que las viejas gaviotas, cuando sentían acercarse la muerte, dirigían su vuelo hacia esa costa desierta, hacia el último lugar de reposo de los pájaros”.Si.

El dramaturgo canónico del simbolismo es Maurice Maeterlinck (Bélgica, 1862-1949). Su vasta producción se centra en el teatro y el ensayo, aunque también publicó poemas, narraciones, traducciones y un libro autobiográfico

Pelléas et Mélisande es una pieza de teatro simbolista escrita por Maurice Maeterlinck que trata del amor prohibido y maldito de los personajes que dan nombre a la obra. Fue estrenada en 1893.

Breve sinopsis

Golaud descubre a Mélisande en un arroyo del bosque. Ella ha perdido su corona en el agua, pero no quiere recuperarla. Se casan y ella gana el favor de Arkël inmediatamente. Mélisande se enamora de Pelléas. Los amantes se encuentran en la fuente, donde Mélisande pierde su anillo de bodas. Golaud empieza a sospechar de la pareja y pide a Yniold que los espíe. Cuando los descubre acariciándose mata a Pelléas y hiere a Mélisande. Ella muere luego de dar a luz a una niña anormalmente pequeña.

Influencia

La obra ha servido de base para varias piezas musicales. Quizás la más conocida es la ópera impresionista compuesta por Claude Debussy (1902). Antes, en 1898, Gabriel Fauré escribió música incidental y una suite para el estreno londinense de la obra. Arnold Schönberg escribió un poema sinfónico en 1903. Y por último, Jean Sibelius también escribió música incidental y una suite en 1905

 Pelléas et Mélisande (Sibelius)

Pelléas et Mélisande (op. 46) es una suite de música incidental compuesta en 1905 por Jean Sibelius. El compositor fue uno de los muchos que se basó en el drama homónimo de 1892 de Maurice Maeterlinck.

Movimientos

 I.            En la puerta del castillo

 II.            Mélisande

III.            A la orilla del mar

IV.            Una primavera en el parque

 V.            Las tres hermanas ciegas

VI.            Pastorale

VII.            Mélisande en la rueca

VIII.            Intermezzo

IX.            La muerte de Mélisande

En el movimiento inicial las cuerdas introducen un corto tema atmosférico que luego es retomado por los vientos madera. Esta introducción termina con unos acordes austeros. Luego se introduce al personaje de Mélisande con un tema fuerte asignado al corno inglés. Sigue un intermezzo (a la orilla del mar) que Sibelius sugería omitir en las ejecuciones en concierto. Las cuerdas continúan con las densas sonoridades del material melódico de una primavera en el parque, seguido de las tres hermandas ciegas en el que nuevamente el corno inglés interpreta una melodía respondida con armonías monolíticas asignadas al resto de la orquesta. El pastorale está orquestado para instrumentos de viento madera y cuerdas y ostentan la sutileza de la música de cámara. El séptimo movimiento presenta la imagen más larga y dramática de las anteriores. Seguido de un entreacto que podría servir como final sinfónico de la obra, pero le sucede el conmovedor la muerte de Mélisande.

La Sinfonía n º 4 por el compositor suizo Arthur Honegger es una obra para orquesta, escrita en 1946. subtitulado  Basiliensis Deliciae , que se estrenó el 21 de enero de 1947, por la Orquesta de Cámara de Basilea. El trabajo, que contiene citas musicales de dos de Basilea canciones populares,expresa la felicidad del compositor durante una estancia agradable en el interior de Suiza después de la final de La Segunda Guerra Mundial.

La Cuarta Sinfonía de Honegger es una obra en tres movimientos con una duración total de unos 27 minutos. Los movimientos se titulan:

1.   Lento e Misterioso - Allegro (aprox. 11'45 ")

2.   Larghetto (aprox. 6'15 ")

3.   Allegro (aprox. 8'30 ")

Hasta pronto

http://www.orquestaciudadgranada.es/programacion/febrero/

CONCIERTO EXTRAORDINARIO 2 O.C.G.

El próximo día 10 de Febrero, la Orquesta Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla, interpretará un Concierto Extraordinario de contenido exclusivo barroco-clásico sacro, obras con coro y solistas, Missa brevis en Fa mayor, BWV 233 de: Johan Sebastián Bach   (Eisenach, Turingia, 21 de Marzo de 1685  Leipzig, 28 de Julio de1750).

Visperas solemnes del Confesor en Do mayor KV 339 de:Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, (Salzburgo, Austria 27 de Enero de 1756 Viena, Austria; 5 de Diciembrde1791).

Bach fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.

Federico II fue el ejemplo arquetípico de monarca ilustrado, amante de la música y gran admirador de Bach, gustaba de proponer al músico complicado ejercicios contrapuntísticos que interpretaban juntos ante la corte.

Como prólogo, para una introducción en la época y vida de Bach, inserto un video titulado “Mein name ist Bach”, Mi nombre es Bach, producción alemana del año 2003.

También inserto video de la Missa brevis.

Recomiendo la visión, de ambos videos, para disfrutar de éste concierto.

  

Mozart fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

Inserto video de la obra Vísperas solemnes del Confesor.

Para más información adjunto enlace del programa de mano.

Programa de mano Extraordinario 2 [PDF]

Hasta pronto.

Pablo HERAS-CASADO (1977-) Director de Orquesta

 Su regreso a Granada después de cuatro años para dirigir de nuevo a la Orquesta Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla, fue un gran éxito, podemos afirmar que “es profeta en su tierra”, avalado por el largo aplauso recibido.

Ha nacido una estrella con luz propia en la dirección de orquesta, con un curriculum de presentación Internacional, fulgurante y muy brillante.

Pablo Heras-Casado en la actualidad es disputado por las orquestas Internacionales por meritos propios un músico joven con una gran preparación seguridad en lo que hace con mucho respeto hacia los demás sabiendo lo que quiere sacar expresivamente a los que dirige,con gran capacidad de trabajo, irradia energía por su juventud muy polifacético en sus preferencias por la literatura musical que abarca todas las disciplinas desde la música antigua, hasta las vanguardistas, incluidas las grandes Operas, fulgurante carrera de una gran promesa.

Una de las particularidades  de éste artista es el marcaje con las dos manos  sin batuta, acogiendo a los profesores como si fueran voces corales. Esta práctica no es normal en la dirección orquestal, pero hay exenciones,ejemplo el director ruso Valery Gergiev.(Uno de mis favoritos). Hacer clip en el enlace.

 Inserto  video dirigiendo Verdi La forza del destino ouverture.

Si animo de crítica, expreso mi opinión personal sobre su actuación, su juventud seguridad en lo que realiza es encomiable su ademanes gesticulaciones me parecieron exageradas muy irregulares, con un perfecto marcaje, (probablemente por la ilusión de su vuelta ante sus paisanos). No me gustan las comparaciones, pues pueden molestar, esto no deja que en mis pensamientos las pueda establecer su porte complexión estatura y su baile en el podio, me recuerda en su juventud al director compositor y pianista estadounidense Leonard Bernstein que dirigió a la Filarmónica de Nueva York.

También Pablo Heras Casado, ha firmado en Diciembre de 2011 como Director Titular la Orquesta de St Luke”s de Nueva York, que celebra sus conciertos en el Carnegie Hall, lo mismo que Leonard Bernstein.

La serie de conciertos ofrecida por la Televisión americana en el último quinquenio de los años 50 y principios de los 60,con el titulo "Conciertos para Jovenes,"en el Carnegie Hall, una joya,didactica.

Inserto algunos videos que he encontrado en español. 

 

Los seis videos, nos lo he podido encontrar en uno solo, pero merece la pena visionarlos.


 Es muy interesante el video que inserto de la Sinfonía nº 10 de Dmitri  Shostakivich, dirigida por Pablo Heras-Casado.

Pablo Heras-Casado tambien dirige con batuta, fotos de galeria en el video que inserto.

      

Hasta pronto.-     

CONCIERTO SINFONICO 7 (viernes 3 Febrero 2012) Pablo Heras Casado (director)

Pablo Heras-Casado regresa a su casa a Granada para llevar a cabo la Orquesta Ciudad de Granada en un concierto el 3 de febrero en el Auditorio Manuel de Falla. El programa contará con Ouverture de Verdi con "La Forza del Destino", la Sinfonía de Schubert Nº 4 y la Sinfonia Shostakovitch N º 9.

Dmitri SHOSTAKOVICH  Compositor ruso (1906-1975)

Cuando terminó sus estudios, a los diecinueve años, Shostakovich  estaba indeciso; no sabía si quería ser concertista de piano compositor (tenia igual talento para ambas cosas, pero sus preferencias se inclinaban por el piano). Al final, los acontecimientos decidieron por él: su Sinfonía nº 1, escrita como ejercicio de graduación se convirtió, de forma inesperada, en un éxito mundial, y antes de cumplir los veintiún años era considerado como el principal compositor del nuevo estado soviético.

Esta posición era difícil de mantener. Los gobernantes soviéticos  desconfiaban de las artes, y afirmaban que el experimentalismo y el modernismo eran “contrarios a los intereses de la clase obrera” Querían música patriótica, y eso significaba populares armonías que todo el mundo pudiera comprender y, siempre que fuera  posible una glorificación de la Revolución y de lo que ésta había logrado. Shostakovich, por su parte, admiraba el agudo y divertido modernismo de hombres como “Milhaud  o “Prokofiev. A partir de 1920 trabajó  arduamente para adaptar sus maneras, de corte parisino jazzístico. A temas soviéticos  (por ejemplo, La Edad Dorada (1932), y al cumplir los treinta años parecía haber creado un estilo que las autoridades  encontraban aceptable y que para él era personalmente gratificante, tan adecuado para la “gran” música como para las obras de batalla.

Pero en 1936 todo cambió. Stalin puso objeciones a su opera Lady Macbeth de Mezensk, porque  la música le pareció disonante y la escenografía decadente, y Shostakovich cayó en desgracia. Tuvo que esforzarse en ganar de nuevo el apoyo de las autoridades (gracias, por ejemplo, a su Sinfonía nº 5, subtitulada “La réplica creativa y práctica de un artista soviético a las criticas justas”)y consolidó su nueva reputación con música  para cantatas patrióticas (con temas como planes forestales) y para películas heroicas. Sin embargo, su reputación fue precaria a lo largo de toda su vida: en 1946,1948 y 1962 fue nuevamente desacreditado. En cambio en 1966 se le concedió el título de”Héroe de la clase obrera socialista” la más alta distinción de la URSS.

La música de  Shostakovich  oscila entre la inspiración y la trivialidad .Escribió más música “mercenaria” que cualquier otro gran compositor del siglo, y gran parte de ella (las cantatas patrióticas, la Sinfonía nº 12 sobre la Revolución, las bandas sonoras) no tienen ninguna calidad. Al mismo tiempo, sin embargo, compuso sinfonías, conciertos y cuartetos de cuerda excepcionales, en un estilo musical que no es en absoluto “moderno”. Con Prokofiev y Copland, es uno de los compositores más accesibles del siglo XX y, al igual que Britten utiliza un estilo directo para comunicar cosas complejas, profundas y misteriosas.

Para comprender la obra y el estado de ánimo del compositor, en el tiempo en que vivía, su dilema por la falta de libertad; recomiendo leer éste articulo con su guía de audición incluida.

La Sinfonía Nº 9 en Mi bemol Op. 70 fue estrenada el 3 de noviembre de 1945 en Leningrado por la Orquesta Filarmónica de dicha ciudad, bajo la dirección de Yevgeny Mravinsky.

El 4 de febrero de 1945 se reúnen en Yalta Churchill, Roosevelt y Stalin. La guerra en Europa está llegando a su fin, la derrota del Tercer Reich es cuestión de meses. Los mandatarios de los países vencedores discuten el nuevo orden político que regirá el continente en la posguerra. El optimismo comienza a aflorar en las ciudades de la Unión Soviética y bajo este ambiente se desarrolla la vida cotidiana de la familia Shostakovich en Moscú. Tras la fría acogida popular a su octava sinfonía, Shostakovich encuentra refugio en la música de cámara y en las clases en el conservatorio; durante 1944 escribe el segundo cuarteto de cuerda (Op. 68) y el trío para violín, violonchelo y piano número 2 (Op. 67) que dedica a Ivan Sollertinsky, recientemente fallecido. Pero a principios de 1945 corre el rumor, en parte sostenido por el compositor, de que Shostakovich está trabajando en una nueva sinfonía al modo de la Novena de Beethoven. Era lo que tocaba, lo que todos esperaban, una magna obra que inspirara una sola palabra: “Victoria”.

 «Me gustaría componerla para coro, solistas y gran orquesta, siempre que cuente con el material adecuado para el libreto y cuando esté seguro de no ser sospechoso de querer establecer inmodestas analogías», comentó el músico a un colega. A finales de enero de 1945 ya tocaba para compañeros y alumnos fragmentos de una partitura que algunos clasificaron como majestuosa. De forma repentina, Shostakovich interrumpe la composición de la obra en la que está trabajando. Tres meses más tarde, en julio, retoma el trabajo, pero esta vez para escribir un tipo de sinfonía absolutamente diferente a la proyectada. En seis semanas acaba la partitura de una composición que, lejos de evocar a Beethoven, por su humor y por su ligereza más parecen un tributo a Haydn (cuyas sinfonías tocaba al piano cada tarde con Kabalesvsky). ¿Que motivó al compositor a dar un cambio de rumbo tan radical? Puede que no estuviese contento con lo que tenía ya escrito, pudiera ser, también, que, de forma consciente, rehuyera crear nada que pudiera ser motivo de «inmodestas analogías», considerando que nada podía ser comparable a la grandiosa sinfonía homónima del genio de Bonn.

Pero lo más probable es que, con la victoria sobre Hitler ya lograda, Shostakovich sentía que alguien en el Kremlin se apoderaría de una cantata de gloria a la victoria del pueblo soviético, para convertirla en una apoteosis de alabanza y culto a la personalidad del gran líder de la Unión. Tenía ante sí el mismo dilema de siempre, someterse y escribir una obra llena de ambigüedades que contentara a todos, o componer por y para el sufrido pueblo soviético, cuya sangre era la verdadera artífice de la victoria. La respuesta fue clara; privaría a los interesados de la posibilidad de establecer la imposible comparación con la sinfonía «Coral» de Beehoven y daría a las bravas gentes de su amada tierra la alegría y la celebración que estos se merecían. 

Pese a su corta duración (no llega a 30 minutos) la sinfonía está estructurada en cinco movimientos, de los cuales los tres últimos se ejecutan sin interrupción. Ya en el primer movimiento (Allegro), estructurado en forma de sonata, es patente la razón para que los que esperaban una apoteósica obra se sintieran decepcionados. Las notas desenfadadas de las cuerdas, los solos de las maderas y las flautas desgranan en la exposición una danza jovial que deriva en motivos algo amenazadores en el desarrollo central. En la recapitulación los temas se presentan a cargo de irónicos solos de violín trenzados con arpegios a cargo del flautín. La característica más peculiar es la interrupción constante y desordenada de una ráfaga de dos notas emitidas por los metales, lo que dota al movimiento de un aire cómico. No han faltado críticos que han llamado a este grupo de notas el «motivo de Stalin», y que el compositor usa para ridiculizar al egocéntrico y metomentodo dictador. El segundo movimiento (Moderato) es casi un adagio que comienza con un lánguido solo de clarinete al que posteriormente se le van uniendo las diferentes maderas para pasar luego al lento discurrir de las cuerdas, en forma de delicada elegía. Como si de alguna forma se nos mostrara la parte mas melancólica de aquella sinfonía que todos esperaban y que no fue. A pesar de ejecutarse unidos los tres últimos movimientos presentan temas diferentes; en el tercero (Presto), un scherzo, en el que las distintas líneas de instrumentos de la orquesta desarrollan unas cadencias llenas de entusiasmo, que se van acelerando cada vez más, hasta ser interrumpidas por un brillante solo de trompeta, no obstante la desenfrenada melodía continua acentuada por los sonidos de las flautas y la pandereta, hasta que, de forma súbita, el ritmo se ralentiza dando paso al siguiente movimiento. Con la notación de Largo, el cuarto movimiento comienza con una sonora fanfarria a cargo de los vientos-metal que da paso a un intimista solo de fagot, contestado a veces por aquéllos. Sin interrupción se entra en el quinto movimiento (Allegretto – Allegro), con una graciosa melodía a cargo del fagot vuelve la alegría y la luminosidad del primer movimiento. Aunque los arpegios ascendentes y descendentes de las cuerdas aparentan trasmitir tensión al desarrollo, lo cierto es que la música desemboca en una danza llena de brillante júbilo y desenfrenadas piruetas, trasmitiendo una sensación de espectáculo gracias al tambor, los redobles de la caja y el batir de la pandereta. El clímax se interrumpe con un último golpe de pandereta como fin de la sinfonía.
Shostakovich predijo: «A los músicos les encantará interpretarla; y los críticos disfrutarán destrozándola». Curiosamente la primera reacción de los comentaristas de los medios oficiales, lejos de ser negativa, fue de aceptación; a esto ayudo la descripción que de la sinfonía hizo Mravinsky: «Es un alegre suspiro de alivio, una obra que ridiculiza la grandilocuencia, y que va contra la autocomplacencia y el dormirse en los laureles». Pero, una vez más, el aparato oficial, tarde pero contundente, actuó de nuevo. En septiembre de 1946 un artículo de la prensa oficial comentaba: «Se propone que la novena sinfonía de Shostakovich es un respiro, un ligero y divertido interludio entre obras significativas, un rechazo temporal a los grandes y serios problemas por la vía de la simplicidad y banales naderías. ¿Pero es este el momento adecuado para que un gran artista desconecte de la situación actual?». En Occidente la crítica fue, desde el comienzo, bastante más dura, aduciendo la manera infantil con que se enfrentaba al nazismo. Finalmente la sinfonía fue incluida en el decreto Zhdanov de 1948, por lo que fue prohibida, junto con otras de sus obras (entre ellas la octava sinfonía, paradójicamente acusada de lo contrario), rehabilitada en 1.955.

Al frente de la Munich Philarmonic Orchestra, Georg Solti nos ofrece una magnífica interpretación de esta obra maestra de la ironía, el paradigma de la «mala leche» en la música. Cuentan que mientras oía los ensayos del estreno, Shostakovich, entre bambalinas y sufriendo los primeros tics nerviosos que le acompañaron durante el resto de su vida, no cesaba de repetir para si mismo: «¡Eso es, circo, más circo!».

La Sinfonía Nº 1 en Fa menor Op. 10 de Shostakovich, escrita en el curso 1924-25, fue estrenada el 12 de mayo de 1926 en San Petersburgo por Nikolai Malko dirigiendo la Filarmónica de Leningrado. 

Ésta obra de ejercicio graduación se convirtió de forma inesperada en un éxito mundial siendo nombrado compositor oficial de la U.R.S.S.

HASTA PRONTO