CONCIERTO DE ABONO (A2) MÚSICA Y LITERATURA ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA VIERNES 28 OCTUBRE 2016

Viernes 28 Octubre 2016

AUDITORIO MANUEL DE FALLA
MÚSICA Y LITERATURA Schakespeare

Edvard GREIEG

Holberg suite, op.40  "en estilo antiguo"

Frederic  DELIUS

Dos piezas para pequeña orquesta

Ralph Vanghan WILLIAMS

Fantasía sobre Geensleeves

Matthew HARRIS

Three Shakespeare song (O Mistrees Mine; Come Away, Come Away, ComeAway Death;Whe that was and litte Tiny boy.

Grayston IVES  

Song of Ariel (Come unto these wellow samds Full fathom five)

Ralph Vanghan  WILLIAMS

Serenade to music


Coro de la Orquesta Ciudad de Granada (Héctor E. Márquez dtor)

Joven Coro de Granada (Hector E. Márquez y Pablo Guerrero (dtores)

Puri Cano piano

MARTIN NAGASHIMA  director

La relación entre la música y la literatura ha sido de las más antiguas y provechosas colaboraciones que se han producido entre las distintas manifestaciones del arte. La poesía nació unida con la música, canciones y rimas se emplearon primeramente para que se recordaran los comportamientos de la sociedad. La música y la literatura han estado ligadas desde la época de los trovadores los
cuales ligaban la poesía con la música.

Las relaciones que poseen ambas corrientes artísticas se centran en paralelismos, mutua influencia y similitudes, generando una simbiosis mágica que nos ayuda a ver de una forma más estética el mundo en
el que vivimos. Parte de la música programática tiene su razón en ello, la ópera, con sus textos dramatúrgicos en su esencia es literatura.

Edvard Grieg  (Fuente La enciclopedia en Línea)

(Edvard Hagerup Grieg; Bergen, 1843 - 1907) Compositor noruego considerado el principal representante de la música nacionalista de su país. Edvard Grieg Inició su formación musical con su madre, Gesine Judith Grieg, que era pianista y había estudiado con Albert Methfessel en Hamburgo. En 1858 tuvo lugar un acontecimiento relevante para la formación musical del compositor noruego: un amigo de los Grieg, el compositor y violinista Ole Bull, les hizo una visita en el transcurso de la cual escuchó tocar el piano al joven Edvard. Quedó tan impresionado que convenció a sus padres para que lo enviaran a estudiar al Conservatorio de Leipzig.

Grieg ingresó en dicho centro de estudios cuando contaba 15 años, y allí estudió piano con Louis Plaidy y E. F. Wenzel, que había sido amigo de Robert Schumann, e Ignaz Moscheles. Adquirió también conocimientos de armonía y contrapunto de la mano de E. F. Richter, Robert Papperitz y Moritz Hauptman. Su profesor de composición en Leipzig fue Carl Reinecke. En la ciudad alemana, Grieg tuvo la oportunidad de asistir a importantes recitales como el que dio Clara Schumann en el Gewandhaus o a diversas representaciones de óperas de Wagner como Tannhäuser. En aquella época, alrededor de 1862, Grieg ya había escrito su Op. 1, que consistía en cuatro piezas para piano, además de sus Cuatro canciones para contralto con textos alemanes, que constituyen su Op. 2.

En mayo de 1863 decidió trasladarse a Copenhague, ciudad donde se desarrollaba la mayor parte de la vida cultural de Escandinavia. Allí estudió con el compositor danés Niels Gade, líder de la escuela romántica escandinava. Éste le animó a componer una sinfonía que Grieg llevó a cabo pero nunca quiso estrenar. También en la capital danesa entró en contacto con otros músicos como Emil Hartmann y Gottfred Matthison-Hansen, así como con los escritores Benjamin Feddersen y Hans Christian Andersen. Este último le proporcionó poemas para su obra Hjertets melodier (Melodías del corazón), Op. 5, que interpretaría magistralmente su prima y futura esposa, la cantante Nina Hagerup.

Fue también en la capital danesa donde trabó amistad con la persona que más le marcó en su trayectoria posterior: el compositor Rikard Nordraak (1842-1866). Nordraak, autor del himno nacional noruego, fue quien introdujo a Grieg en la música nacionalista de su país. Cuando ambos se conocieron en 1864, el joven Nordraak estaba trabajando en la música incidental para la obra Sigurd Slembe del dramaturgo Martinus Björnson, con quien también colaboraría Grieg años después.

El agradecimiento que sintió el músico de Bergen hacia su compatriota le llevó a dedicarle su Humoresker Op. 6 para piano, primera obra de Grieg que muestra influencias de la música popular noruega. Su interés creciente por el folclore y la tradición musical de su país le llevó a fundar la sociedad Euterpe, junto a los ya citados Nordraak y Matthison-Hansen, cuyo objetivo era divulgar la música escandinava.

Entre 1865 y 1866 vivió en Roma, donde conoció al dramaturgo Henrik Ibsen, a cuya obra Peer Gynt pondría música más adelante. El 15 de octubre de 1866 dio un concierto de música noruega en el Teatro de Christiania (la actual Oslo) junto a la cantante Nina Hagerup y la violinista Wilma Neruda. Al año siguiente se inauguró la Academia de Música Noruega que Grieg y el crítico Otto Winter-Hjelm habían proyectado fundar. Ese mismo año, el 11 de junio, se casó con Nina y pronto acabó de componer su segunda Sonata para Violín Op. 13.

En 1869, Franz Liszt le escribió elogiando una de sus sonatas para violín y piano y le mostró su deseo de conocerle personalmente. Ambos se encontraron en Roma meses más tarde. En el verano de 1869 llegó a manos de Grieg una copia de la colección de canciones populares de Ludwig Mathias Lindeman (1812-1887), titulada Aeldre og myere norske fjeldmelodier (Viejas y nuevas canciones montañesas). Este descubrimiento le posibilitó seguir adentrándose en las posibilidades de la música popular noruega y escribir su Op. 17 para piano, una serie de piezas basadas en estas canciones.

A comienzos de 1870 comenzó su fructífera colaboración con el dramaturgo Björnson en obras como Foran sydens kloster, o diversas cantatas como Arnlijot Gelline, para voces femeninas, y Landkjending, para voces masculinas. Ambos planeaban crear una ópera sobre tema noruego titulada Olav Trygvason que finalmente no llegaron a completar. En 1871, Grieg contribuyó a la fundación de una sociedad musical para promover la música orquestal. En 1874, el Estado le concedió una ayuda económica anual para que pudiera dedicarse de lleno a la composición. De esta época son, entre otras obras, su Cuarteto de cuerda en sol menor, Den Bergtekne para barítono y orquesta y el Álbum para coro masculino.

A partir de 1876 emprendió grandes giras de conciertos por Europa, en las que interpretó y dirigió sus propias obras. Su presentación en Londres en 1888 supuso el reconocimiento internacional de su obra. Entre 1880 y 1882 dirigió la orquesta del Harmonien (Sociedad Armónica) de su natal Bergen. Éste fue uno de los últimos compromisos oficiales que aceptaría, ya que el resto de su vida lo dedicó a otras tareas como la composición de su Sonata para violonchelo Op. 36 y de varios cuadernos de Piezas Líricas. Además, participó en el bicentenario del nacimiento del escritor Ludvig Holberg en 1884 con la suite Fra Holbergs tid (Del tiempo de Holberg).

En el verano de ese mismo año comenzó la construcción de su futuro hogar en Troldhaugen, actualmente casa-museo del compositor. Fue en esa localidad donde pasó el resto de sus años, componiendo y revisando antiguas partituras o paseando por las montañas noruegas. En 1898, sus esfuerzos para la difusión de la música de su país culminaron con la creación del primer festival de música de Noruega, que se celebró en Bergen. Para este evento compuso sus populares Danzas Sinfónicas Op. 64, basadas en las canciones de Lindeman. Su salud se deterioró, pero continuó dando conciertos en ciudades extranjeras como Varsovia y París. En 1906 compuso su última obra, los Fire salmer (Cuatro salmos), basados en melodías populares.

La música de Grieg tiene aires de vida campestre y de contacto con la naturaleza, aspecto que tuvo gran peso en la vida del músico. No es una música de grandes contrastes desgarradores, pero posee gran lirismo y fluye de manera ágil y reposada. Grieg es principalmente un melodista: sus obras poseen un gran atractivo melódico y esto propició su rápida difusión. Es también un instrumentador fino que maneja a la perfección las cuerdas y los instrumentos de viento-madera como el clarinete o el fagot. No emplea en exceso los metales como otros contemporáneos suyos, aunque sí saca partido de las tubas cuando es necesario.

En su etapa de formación, Grieg centró su interés en la música romántica y sobre todo en el compositor alemán Robert Schumann. A partir de 1865, y tras conocer a Nordraak, comenzó a inspirarse en el folclore de su país. Supo tratar la música popular noruega de forma innovadora y es en sus arreglos de melodías folclóricas como las Norwegische Tänze Op. 35 (Danzas noruegas) para piano donde aparecen con mayor claridad los principales avances armónicos de su lenguaje. También se encuentran huellas del impresionismo musical en algunas obras suyas como el Cuarteto en Sol menor Op. 27 (1877-8), en el que utiliza la disonancia de forma muy libre, como después haría Claude Debussy en sus propios cuartetos.

Grieg escribió numerosas colecciones de canciones, en parte porque su esposa, la cantante Nina Hagerup, era su más próxima fuente de inspiración, además de una excelente intérprete de sus melodías. Los temas de sus canciones suelen ser amorosos, como en las Hjertets melodier Op. 5, o populares como el ciclo Haugtussa Op. 67, basado en poemas tradicionales noruegos.

El piano fue el instrumento, aparte de la voz, al que más obras dedicó. El estilo pianístico de Grieg posee delicados adornos y debe bastante a la obra del polaco Frédéric Chopin y, por supuesto, a los ritmos y melodías de Noruega. Su Concierto para piano en La menor, compuesto en 1868 y revisado en 1907, es una obra de gran exuberancia, con tintes folclóricos y rica en material contrastante.

Otro excelente ejemplo de su obra pianística es la Balada en Sol menor Op. 24, estéticamente cercana a su Cuarteto de cuerda en el mismo tono. La balada está inspirada en una de las canciones de Lindeman y está estructurada como un ciclo de variaciones. Sus diez colecciones de Piezas líricas forman parte del repertorio de muchos pianistas aficionados, por su encanto melódico y accesibilidad técnica.

La producción camerística de Grieg, si bien no es tan abundante como su obra pianística o vocal, posee bellos ejemplos como las tres sonatas para violín, la Sonata para violonchelo o los dos cuartetos de cuerda. La obra que le dio más popularidad fue la música incidental para la obra Peer Gynt del dramaturgo Ibsen. Grieg trabajó duramente en esta obra, que en la actualidad se interpreta en dos suites (Op. 46 y Op. 55), que tan sólo incluyen ocho de los veintiséis números originalmente concebidos por el compositor para la obra de Ibsen.

Edvard GREIEG

Holberg suite, op.40  "en estilo antiguo"

Frederic  DELIUS

Delius fue un compositor inglés, (1934), hijo de padres alemanes  Frente al deseo de su padre de que trabajara en los negocios familiares, comenzó su formación musical desde muy joven. A los 27 años presentó su primera obra, la suite Florida, subtitulada Escenas tropicales para orquesta.

Perteneciente al periodo del pos romanticismo, segundo romanticismo, su música goza de ricas y hermosas armonías, delicados cromatismos y caracteres impresionistas. Autor prolífico, en sus primeros tiempos poco o mal reconocido en su país natal, tuvo al británico Sir Thomas Beecham, histórico director de orquesta, como su principal promotor en los atriles.

No hay acuerdo sobre si fue durante su estancia en Florida o si fue en París, pero Delius contrajo una sífilis alrededor de 1884. En 1924, viviendo en Grez-sur-Loing con su esposa, la pintora Jelka Rosen, de regreso de Gran Bretaña terminada la primera guerra mundial, se manifestaron los primeros síntomas generales de la enfermedad: una parálisis progresiva y ceguera. A pesar de su penoso estado físico siguió componiendo con la ayuda de un joven músico, Eric Fenby.

Los correos británicos emitieron en 1985 un sello recordando una de las «Dos piezas para pequeña orquesta» compuestas por Delius entre 1911 y 1912, y estrenada en Londres en 1914: On hearing the first cuckoo in spring, de apenas seis  minutos de duración.

Ralph Vanghan  WILLIAMS (Fuente Wikipedia)

Nacido en 1872 en Down Ampney, Gloucestershire, fue el hijo menor del pastor anglicano Arthur Vaughan Williams, el cual murió repentinamente cuando Ralph tenía apenas dos años de edad, por lo que su madre, Margaret Wedgwood (1843-1897), volvió con sus hijos al hogar familiar de Leith Hill Place, en la región de Surrey. Margaret procedía de una familia acomodada, emparentada con los Darwin, pues era hija de Caroline Sarah Darwin, hermana de Charles Darwin. Ralph estudió música e historia en la Universidad de Cambridge y posteriormente en Berlín con Max Bruch y en París con Maurice Ravel, lo cual dio a su orquestación lo que él definió como “un toque de lustre francés”.

Fue nombrado profesor en el Royal College of Music (RCM) en 1919 y recibió un año después el nombramiento como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford, llegando a convertirse en el Director del Bach Choir y consiguiendo en los años veinte que su música fuese divulgada en todo el continente europeo.

Contrajo matrimonio con Adeline Fisher en 1897. Pocos años después de la boda, a Adeline se le diagnosticó una artritis progresiva, que acabó confinándola en una silla de ruedas. Fallecida su primera esposa en 1951, se casó con su asistente personal, Ursula Wood, en 1953. Ambos llevaban manteniendo una relación sentimental desde 1938, cuando se conocieron, al parecer con el consentimiento de la propia Adeline.^[1]

Vaughan Williams falleció en Londres en 1958 a los 85 años de edad, siendo enterrado en la Abadía de Westminster, cerca de las tumbas de otros compositores ingleses, Herbert Howells y Charles Villiers Stanford.

Aunque sus primeros trabajos, como "Las avispas" (música incidental para teatro) o su primera sinfonía, la Sinfonía Marina, basada en textos de Walt Whitman, pecan de cierto academicismo con claras influencias de compositores como Hubert Parry y Charles Villiers Stanford, ya contienen las bases armónicas y el germen de sus obras más famosas, así como su interés por la música tradicional de Inglaterra.

Su salto a la fama se produjo en 1910 con la Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis. En esta obra, compuesta para cuarteto y doble orquesta de cuerda, que responde en líneas generales a una forma de tema principal con variaciones, desarrolla un tema del compositor inglés renacentista Thomas Tallis. El desarrollo de la pieza se conduce explorando las distintas posibilidades armónicas de la melodía original. Esta pieza fue utilizada como banda sonora de las películas Remando al viento (Gonzalo Suárez, 1988) y Master and Commander (Peter Weir, 2003).

La música de Vaughan Williams suele describirse como típicamente inglesa, generalmente en el mismo grupo de compositores como Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth, William Walton y otros. También es notable la influencia de la sonoridad musical de Maurice Ravel, quien fue maestro suyo en París durante un breve periodo en 1908.

Según el escritor Peter Ackroyd:

Si el ser típicamente inglés en música puede ser encerrado en palabras de alguna manera, estas podrían ser: ostensiblemente familiar y común, aunque profunda y mística al tiempo que lírica, melódica, melancólica y nostálgica, aunque eterna.^[2]

Por su parte, el crítico inglés Fuller Maitland describió el estilo de Vaughan Williams como: «nunca se está muy seguro de estar escuchando algo muy antiguo o muy nuevo».^{[cita requerida]}

La música de Vaughan Williams muestra una considerable fascinación por las melodías populares e himnos religiosos. A partir de 1903, Vaughan Williams comenzó a recoger canciones populares inglesas y llegó a recopilar más de 800, editando varios volúmenes. Esta actividad, iniciada con un mero espíritu etnográfico, consiguió imprimir un fuerte carácter al resto de su música, como habían hecho compositores de otros países europeos como Béla Bártok o Leoš Janáček). También son características de su música las referencias al paisaje inglés y a sus poblaciones, tanto urbanas como rurales.

Aunque Vaughan Williams se definía como agnóstico, tenía cierta inclinación por el misticismo al igual que su gran amigo Gustav Holst. Ésta es otra de las influencias musicales que le permitieron desarrollar un lenguaje personal (sobre todo armónico), que se refleja en todas sus obras aunque en mayor medida en su extensa producción vocal y coral, de la que cabe mencionar su Misa en Sol menor o la cantata Dona Nobis Pacem. En el ámbito puramente orquestal destacan su ciclo de nueve sinfonías

Fantasía sobre Geensleeves     WILLIAMS

Ralph Vanghan WILLIAMS

Serenade a la música ("cómo dulce luz de la luna duerme sobre este banco!") para 16 solistas (o solistas y coro) y orquesta, escrito en 1938.

Uno de los mejores de todos los ajustes musicales de Shakespeare, la Serenata a la música fue escrita para y dedicada a Henry Wood en ocasión de su jubileo de oro como director, "en"agradecido reconocimiento de sus servicios a la música. Wood, que durante décadas había sido asociado con los conciertos de paseo enormemente popular en Londres, había participado en muchos estrenos de composiciones de Vaughan Williams y fue muy admirado por el compositor. Para su homenaje, Vaughan Williams tenía la espléndida idea de crear una obra que se incorpora los talentos de 16 cantantes británicos bien conocidos que habían tenido asociaciones largas con Woo, para cada uno de que Vaughan Williams crearía una frase característica de cantar. Estos 16 cantantes participaron en el estreno de la serenata en concierto de Jubileo de oro con Henry Wood      
en el Royal Albert Hall, Londres, 05 de octubre de 1938, con él mismo llevando a cabo una gran orquesta de músicos de la Sinfónica de Londres, Filarmónica de Londres, BBC Symphony y las orquestas de salón de la reina. Fue una actuación emocional que, se dice, reducido Sergei Rachmaninov (que estuvo presente) hasta las lágrimas. Afortunadamente estos mismos artistas grabó el trabajo unos días más tarde, para que oyentes hoy todavía pueden compartir en la calidad del movimiento del evento.

Vaughan Williams eligió para su texto discurso de Lorenzo en la música en el jardín de Porcia del acto 5, escena uno del mercader de Venecia. El gesto de apertura de la serenata es inusualmente hermoso, y un violín solo ayuda a establecer el estado de ánimo lánguido de un jardín mediterráneo. Entrar en las voces, y una de las sopranos canta una entusiasta frase ascendente en la primera mención de "dulce armonía". Voces de hombres asumen para describir el "piso del cielo... gruesa con patines de oro brillante, incrustado de" y entra en una breve nota de ansiedad. Fanfarrias de sonido luego del despertar de Diana, seguida de un pasaje más melancólico, contemplando a "el hombre que no tiene ninguna música en sí mismo". Fanfarrias de Diana brevemente volverán y llevan a la melodía de apertura pacífica, que también concluye el trabajo de manera silenciosa. Los cantantes entonan colectivamente las palabras finales, "dulce armonía", y la pieza termina en absoluta tranquilidad.

Serenade to music (varias versiones)

Hasta pronto