En esta temporada del ciclo “Una Hora de Cámara en el Auditorio Manuel
de Falla de Granada, poco a poco como melómano empedernido, me voy “cabreando
más”, con las interpretaciones de los músicos, que se dedican a leer su
partitura con la eficiente profesionalidad, sin preocuparse por la información
de la obra a nivel de la musicología, para así darle a su ejecución la
emotividad y la belleza que merece, de éste modo el oyente disfrutará.
Cuando la Música de Cámara se
interpreta solo con la mecánica no tiene belleza, pero si al contrario se
realiza con expresión el resultado es emocionante, la época de la composición y
los sentimientos del compositor se trasmiten al oyente.
No es una crítica sino una reflexión para el intérprete.
Los dos tríos de Felix MENDELSSOHN, para piano, violín y chelo, interpretados
con expresión, nos emociona alimentando nuestro interior
Escrito
en 1839, el primero de dos tríos para piano, el Trio para piano en re menor es probablemente la
composición de cámara más conocida y fácilmente la más querida. Los
primeros dos movimientos solos entregan más melodía lírica que trabajos
completos de otros compositores. A diferencia de sus antepasados
clásicos con su inclinación por los temas más cortos basados en motivos,
Mendelssohn construye su primera sonata de movimiento con dos temas, ambos
expansivos, canciones de múltiples frases de sorprendente
completitud. Además, estas melodías memorables se dan naturalmente a los
instrumentos perfectos, el violonchelo y el violín. Cantando
individualmente en diálogo y combinándose en armonía y contrapunto, sus gamas y
timbres complementarios imbuyen gran parte del trabajo con la dualidad
entrelazada de amantes.
Para
hacer de este dúo un trío, Mendelssohn escribe una parte del piano igualmente
memorable, posiblemente el aspecto más distintivo del trío. Aquí, a pesar
de su reputación común como clasicista conservador, Mendelssohn habla el
verdadero lenguaje de su contexto romántico, escribiendo para la pieza de
carácter íntimo, así como el virtuoso apasionado. Cierto en todo el
trabajo, esto no es más evidente que con el segundo movimiento Andante que comienza
con una delicada melodía del piano con toda la gracia y el encanto de sus
numerosas miniaturas de piano recopiladas bajo el título "Canciones sin
palabras". Así comienza el punto de reposo soñador en el trío, otro
ejemplo de lirismo memorable en un estilo distintivo por el que se aprecia el
trabajo.
A pesar
de su lirismo famoso, el trío como un todo está lleno de energía de conducción,
desde la agitación inquieta del primer movimiento a la danza animada del
scherzo a la poderosa carga de avance del final. Varias veces, esta fuerza
y la textura del conjunto estallan en una música de tremendo peso con
proporciones casi orquestales. Casi desafía su contexto dentro de un trío
de piano, o, dicho de otra manera, demuestra qué poder tiene realmente el trío
de piano. Esto es particularmente así en el movimiento final. Pero
esto nunca domina; más bien, crece orgánicamente a partir de una textura
de cámara en constante cambio que simultáneamente ofrece algunos de los
manjares más claramente grabados que se encuentran en toda la música de
cámara. Es el equilibrio fluido y perfectamente construido de estas
polaridades dentro de su música lo que hace que el arte de Mendelssohn sea tan
maravilloso, tan bien diseñado,
El Trio para Piano No. 1 en Re
menor Op 49 es el más conocido de los dos que compuso con un éxito inmediato. Schumann escribió de
él: 'Este es el trío principal de nuestra época, al igual que los tríos de Beethoven
y el de Schubert en sus tiempos. Después de que lo terminó, se lo mostró al
compositor Ferdinand Hiller, que estaba con él en la ciudad de Leipzig, y quedó
muy impresionado, pero tenía un pequeño recelo. Ciertos pasajes en el piano
forte, parecían en acordes rotos, - a hablar con franqueza - algo pasado de
moda "Hiller era un amigo de mucho tiempo de Liszt y Chopin, y estaban acostumbrados
a la riqueza de los pasajes que marcó la nueva escuela de pianoforte '. El
resultado de las sugerencias de Hiller es que Mendelssohn reescribió toda la
parte del piano, por lo que es menos convencional en su estilo y, sin duda,
mucho más difícil de tocar.
El gran tema de apertura del
violonchelo parecería tranquilo si no fuera por los acordes agitados del piano
debajo de él, el efecto es como un gran forro que barre los mares agitados. Las
figuraciones del piano se convierten en arpegios voladores cuando se repite el
tema. Luego, la música se relaja en una melodía de canción, con el piano
todavía murmurando abajo. La sección media del movimiento está dominada por
este segundo tema, a veces entrelazado en contrapunto, en otros construyendo
hasta clímaxs. El regreso al tema de apertura es especialmente hermoso, con la
melodía del violonchelo unida por una inquietante línea descendente en el
violín (un nuevo pensamiento que Mendelssohn quiere desarrollar aún más en el
movimiento lento). La brillantez de la escritura de piano alcanza un punto
culminante en las páginas finales del movimiento, que marca 'assai animato'.
El segundo movimiento es una
hermosa canción en el piano, con cada mitad repetida por las cuerdas. Luego,
con un simple toque de mayor a menor, el piano se inicia en uno de los momentos
más bellos de todo el trío. Esta es la línea descendente que toca el violín a
la vuelta del tema de apertura en el primer movimiento. Aquí está en un diálogo
apasionado, y luego retrocede a la canción de apertura que ahora está elaborada
delicadamente por el piano, podría haber interpretado el scherzo con su marca
de metrónomo, aunque la instrucción italiana es "ligera y animada".
Este movimiento es una de las inspiraciones más exuberantes y encantadores de
Mendelssohn, con el motivo de la apertura constantemente lanzada desde un
instrumento a otro, como si las hadas del el sueño de una noche de verano están
en juego. Hay momentos oscuros, y en el medio una sugerencia de otra canción
tratando de abrirse paso. Pero al final predomina la ligereza y la música se
desvanece en el cielo tan fácilmente como llegó.
La final se interpreta 'apasionadamente', pero comienza con un tema
tranquilo que al principio parece muy práctico después del scherzo. Al igual
que en el primer movimiento, es el brillo de la escritura de piano que lo
levanta del suelo y lo impulsa hacia adelante. Nos preparamos para un
movimiento lleno de virtuosismo y dash. Pero a diferencia el violoncelo, se
lanza a otra de las melodías de Mendelssohn. Después de un tiempo, la apertura vuelve,
vacilante al principio, pero luego se desarrolla.
Felix MENDELSSOHN Piano Trio No.
1 en re menor, op. 49
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I.
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Molto allegro agitato
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II.
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Andante con moto tranquillo
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III.
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Scherzo. Leggiero e vivace
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IV.
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Final. Allegro assai appassionato
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Compuesto en 1845.
Primera publicación: 1845
Primera publicación: 1845
El segundo trío de piano de Felix Mendelssohn es un trabajo
tardío. Es, de hecho, el último trabajo de cámara que el compositor vivió
para ver publicado. Fue compuesto y estrenado en 1845, solo dos años antes
de su muerte prematura a la edad de 38 años.
El movimiento de apertura se emite en una forma de sonata
tradicional, con el primer tema con un tono emocional más bien premonitorio,
oscuro y casi tormentoso. El pianista tiene un momento especialmente
desafiante en este movimiento, ya que Mendelssohn fue un buen pianista y, a
menudo le dio al piano la mayor parte del trabajo en su música de
cámara. Este movimiento es particularmente indicativo del rico lenguaje
armónico de Mendelssohn, constantemente cambiando y desplegándose en lugares
inesperados. La intensidad de la apertura se alivia con la aparición de un
segundo tema más delicado y melodioso, y Mendelssohn utiliza hábilmente este
contraste para mantener el oído desviado durante el resto del movimiento,
cambiando fácilmente entre los dos de manera magistral y dramática.
Sencillo, lírico y hermoso: el segundo movimiento sirve como un
respiro muy necesario de las exploraciones armónicas salvajes y los arrebatos
dramáticos de la apertura Allegro enérgico. El piano comienza solo y nos
introduce al tema principal sin acompañamiento de las dos cuerdas. Este
contraste de textura es especialmente efectivo; cuando el violinista y el
violonchelista entran en varios bares más tarde, casi hemos olvidado que
estaban en el escenario.
El Scherzo es la parte más técnicamente exigente del
trabajo. Es un tour-de-force muy complicado, igualmente desafiante para
cada instrumento. El intrincado contrapunto y la constante negociación de
líneas entre los miembros del conjunto otorgan a este movimiento particular una
fuerza cinética muy diferente a los otros movimientos. Particularmente
brillante es el final, donde la pieza se desenrolla bastante silenciosa e
inesperadamente, preparando el escenario para el final.
El movimiento final, indicado como Allegro appassionato, es un
movimiento rápido y alegre con una gran cantidad de belleza lírica. Hay
una cierta cantidad de gravitas presentes, en gran parte debido a la cita de
Mendelssohn de una melodía coral ("Gelobet seist Du, Jesu Christ", o
"Alabado sea Tú, Jesucristo") que se remonta a un salterio del siglo
XVI. En cierto sentido, parece casi una amalgama de los tipos de escritura
ejemplificados en los primeros tres movimientos. Hay algunas demandas
técnicas interesantes; algunos momentos muy hermosos y cantantes; y
no una pequeña cantidad de la angustia en modo menor de la apertura del
trabajo. Estos elementos múltiples se organizan de manera elegante y
magistral. Cerca del final, la melodía del coral regresa, ahora en un
triunfal Do mayor, como para desechar la tormenta del comienzo.
Felix
Mendelssohn - Piano Trio No.2, Op.66
I.
Allegro energico
e con fuoco
II.
II. Andante espressivo
III.
III. Scherzo. Molto Allegro quasi Presto
IV.
IV. Finale. Allegro appassionato
PYOTR II”yioh
Tchaikovsky
Trío de piano en
la menor ("En memoria de un gran artista"), op. 50
Con la inscripción "Para la
memoria de un gran artista", este trío fue dedicado al pianista Nicolau Rubinstein, fallecido
recientemente, con quien Tchaikovsky había mantenido una difícil
amistad.
Apropiadamente, la parte de piano
del trío es bastante desafiante y a menudo supera el material para violín y
violonchelo. Tchaikovsky no era muy pianista y nunca se dio cuenta de
lo difícil que podría ser su música para teclado.
La pasión se encuentra con
Precisión meets Power, y estos talentosos y habilidosos músicos nos muestran la
profundidad y amplitud de todas estas cualidades del ser. Una pieza de música y
musicalidad muy entretenida para ver y perder
El primer movimiento, "Pezzo
elegiaco" (pieza elegíaca), se abre con un lema expansivo que se repetirá
a lo largo del trabajo; el tema intenso y conmovedor es introducido por el
violoncelo sobre un acompañamiento de piano guisado. El tema entonces es
tomado por el violín, pronto se unió en contrapunto por el violonchelo. Por
fin, el piano hace su propia declaración del tema. El lema es
subsecuentemente fragmentado y pegado de nuevo junto con material fresco de una
naturaleza rusa de esfuerzo. Material nuevo más importante entra
floridamente en el piano, ofreciendo una perspectiva ligeramente más brillante
pero con no menos fervor. Todo esto se desarrolla en Tchaikovsky De
manera estándar, confiando en la repetición obsesiva de los elementos temáticos
en lugar de la transformación real de ellos, aunque una sección ofrece una
ensoñación nostálgica extendida para las cuerdas. La recapitulación es una
repetición literal de la exposición, excepto que se agrega una segunda sección
de desarrollo cerca del final.
El segundo movimiento consiste en
un tema seguido de once variaciones. El piano declara el tema, una melodía
muy ingenua y popular, y luego es recogido por las cuerdas. Se dice que
las variaciones recordaron escenas no especificadas de la vida de
Rubinstein; constituyen una serie de piezas de género que a veces se apartan
libremente del tema, aunque la primera variación es esencialmente una
reafirmación del tema por las cuerdas. En la segunda variación, el
violonchelo vuelve a tocar la melodía, sobre el contrapunto ágil del violín y
el piano. El tercero es un scherzo para piano, con acompañamiento
pizzicato. El cuarto es un tratamiento con alma, altamente eslavo. En
el quinto, el piano evoca una caja de música o posiblemente campanas de
trineo. En sexto lugar viene un vals ligero pero extenso, inicialmente
dirigido por el chelo, aunque el piano corta agresivamente en el
medio. La séptima variación mantiene el tema en casa en el piano, mientras
que las cuerdas toman excursiones serpenteantes. La octava variación es
una fuga grande y áspera; el noveno, en agudo contraste, es una lenta
meditación llena de melancólicos arpegios. Cheer regresa con la décima
variación, una juguetona mazurca. La undécima variación en realidad
constituye el movimiento final. Es una estricta forma de sonata, y despega
de un tratamiento de la melodía que debe mucho al último de La duodécima
variación en realidad constituye el movimiento final. y despega de un
tratamiento de la melodía que debe mucho al último de Los estudios sinfónicos
de Schumann (que Tchaikovsky había orquestado como estudiante).
Todos los motivos de este
movimiento son, de una manera u otra, derivados del mismo tema hasta la coda
extendida, donde el lema del primer movimiento irrumpe en la escena y lleva al
trío a una conclusión desesperada.
Pezzo elegiaco. Moderato assai
.Andante con motoVariazione finale e coda
Allegro risoluto e con fuoco–Andante con moto
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