CICLO SINFÓNICO.-
viernes 28 septiembre 2018 / A1
Auditorio Manuel de Falla, 20:30 horas
ANNA FUSEK, PERSONAL E INTRANSFERIBLE
Georg Philipp TELEMANNSuite para flauta, arco y bajo continuo en La menor, TWV 55:a2
Francesco GEMINIANI
Concierto grosso núm. 12 en Re menor, op. 5, “La Follia”
Antonio VIVALDI
Concierto núm. 3 en Re mayor para flauta, arco y bajo continuo, op. 10, “Il gardellino”, RV 428
Wolfgang Amadeus MOZART
Concierto para piano y orquesta núm. 20 en Re menor, KV 466
ANNA FUSEK flauta, piano y directora
Antonio Vivaldi: Concerto for strings and bc. RV 114 Johann Sebastian Bach: Italienisches Konzert, version for soprano recorder, strings and bc. BWV 971 (arr. by A. Fusek) Antonio Vivaldi: Concerto for strings and bc. RV 157 Vivaldi/Bach: Concerto for recorder, strings and bc. RV 316/BWV 975 (arr. by A. Fusek) Johann Sebastian Bach: Concerto for two violins, strings and bc. BWV 1043, soloists: Jana Chytilová and Jiří Sycha Concerto for flautino, strings and bc. RV 443
ANNA FUSEX ENTRE LA FLAUTA Y EL VIOLÍN.-
La violinista y flautista checa Anna Fusex, no tiene previsto ningún concierto en España durante 2016 pero si, estará con la Orquesta Ciudad de Granada en el 2018,
guarda muy buena memoria de su primera actuación en nuestro país con uno y otro instrumento en el Teatro del Liceo de Barcelona en noviembre 2009.”El Liceu vibra con la magia de la flautista Anna Fusek”, tituló el crítico del diario El Periódico de Catalunya, refiriéndose a su intepretación como solista en el Concierto RV 443 en Do mayor para flautín, de Vivaldi. Subraya el cronista “que dejó boquiabierto al público”, tras indicar que Fusek tambien había tocado antes el violín con la orquesta.
Su último concierto en España tuvo lugar en Madrid el pasado mes de diciembre, con la Akademie für Alte Musik Berlin, y fue transmitido por TVE desde el Palacio Real. También visitó ese mismo año las ciudades de Vic y Burgos
Anna Fusek, que durante el mes de abril hará una gira por Estados Unidos con la Orquesta Barroca de Venecia y obras de Telemann y Vivaldi, ha trabajado con Andrea Marcon, René Jacobs, Christian Curnyn, Michael Sanderling, Richard Dindo, Andreas Dresen, Magdalena Kožená, Sara Mingardo y Reinhold Friedrich.
Ha trabajado también con la Berliner Philharmoniker, la Rundfunk Sinfonieorchester Berlin, Bremer Philharmoniker, la orquesta barroca Collegium 1704 de Praga, Il Pomo d’Oro, orquesta barroca La Cetra Basilea, la orquesta barroca Elbipolis de Hamburgo, la Cappella Mediterranea y la Kammerakademie de Potsdam.
Anna Fusek no tiene antecedentes musicales en su familia, al menos comprobables: “Las profesiones de mis antepasados son diversas: herreros, doctores, propietarios de bares, modistas. Mis padres son matemáticos, pero hasta donde recuerdo no hay músicos. En mi familia paterna siempre ha existido una leyenda que dice que la cantante Emmy Destinn, quien junto a Enrico Caruso formó pareja de cantantes de ensueño en el Metropolitan Opera a comienzos del siglo XX, podría haber sido mi bisabuela, y que podría ser cierta
Vivaldi Un Príncipe en Venecia.Pelicula sobre su vida.-
Coriosidades sobre Antonio Vivaldi, o mejor dicho Antonio Lucio Vivaldi.-(1678-1741)
Vivaldi Un Príncipe en Venecia.Pelicula sobre su vida.-
Coriosidades sobre Antonio Vivaldi, o mejor dicho Antonio Lucio Vivaldi.-(1678-1741)
Realmente se llamaba Antonio Lucio Vivaldi, y fue en la ciudad de Venecia donde nació aunque no se tiene certeza de la fecha exacta del nacimiento, pero se cree que fue el 4 de marzo de 1678.
A Antonio Vivaldi se le conoce con el sobrenombre de il Prete Rosso (El Cura Rojo) debido a que era pelirrojo y cura de la iglesia.
Vivaldi sufrió de asma. Muchas veces tuvo que abandonar cuando oficiaba misa debido a sus frecuentes ataques.
De hecho en 1737 lo acusan de que es un sacerdote que nunca da misa a lo que Vivaldi responde lo siguiente en una carta dirigida a Bentivoglio:
“No he dicho misa por espacio de 25 años y no tengo intención de volver a hacerlo, no por causa de prohibición u ordenanza alguna, sino por mi propia voluntad, a causa de una enfermedad que he sufrido desde la infancia y que todavía me atormenta.
Después de haber sido ordenado sacerdote, dije misa durante un año, pero posteriormente decidí no volver a decirla por haber tenido en tres ocasiones que abandonar el altar antes de concluir el sacrificio a causa de mi enfermedad.
Por esta razón vivo casi siempre en interiores y nunca salgo si no es en góndola o carruaje, ya que no puedo caminar sin sentir dolor y opresión en el pecho.
Ningún caballero me ha invitado a ir a su casa, ni siquiera nuestro príncipe, porque todos conocen mi debilidad.
Puedo salir a pasear después de la cena, pero nunca voy a pie. Ésta es la causa de que nunca diga misa”
Cuando el Cardenal lo excusó de oficiar más misas a causa del asma, Vivaldi consiguió un trabajo como director musical en una escuela para niñas huérfanas.
Uno de sus trabajos musicales, Arsilda regina di Ponto, fue en un principio censurado debido a un supuesto contenido lésbico.
Vivaldi tuvo varios amoríos, uno de los cuales fue con la cantante Anna Giraud.
El compositor italiano compuso la música de bodas del rey Luis XV de Francia.
El Emperador austriaco Carlos VI gustaba tanto de la música de Vivaldi que lo nombró caballero.
Vivaldi compuso más de quinientos conciertos, aparte de óperas y música sacra.
Johann Sebastian Bach admiraba tanto la música de Vivaldi que transcribió varias de sus obras.
Al morir Vivaldi en 1741 su música quedó en la más completa oscuridad.
Fueron los estudiosos de Bach en el siglo XIX, los que oyeron por primera vez de Vivaldi, ésto gracias a los antiguos manuscritos donde Bach había transcrito los conciertos de alguien llamado A.L.Vivaldi.
Se sabía quien era Bach, ¿pero quién era Vivaldi? Por fortuna se realizó una búsqueda, lo que dio como resultado el rescate de Vivaldi del olvido.
En el funeral de Vivaldi, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el futuro compositor Joseph Haydn.
Para finalizar y aunque todo el mundo sabe, Vivaldi compuso Las Cuatro Estaciones, “Le Quattro Stagioni”, (The Four Seasons) pequeñas historias musicalizadas de una manera única.
Sus cuatro estaciones son un homenaje musical al mundo y a la vida.
Francesco Geminiani
1687-1762
Francesco Geminiani nació en Lucca, en la Toscana, en diciembre de 1687. A temprana edad mostró un talento considerable después de haber recibido lecciones de violín de su padre. Más tarde estudió el violín bajo Carlo Ambrogio Lonati en Milán y luego en Roma bajo el maestro famoso, Corelli. También se considera posible que haya estudiado composición con Alessandro Scarlatti durante su estancia en Nápoles.
A la edad de 20 años regresó a su ciudad natal de Lucca donde tocó el violín en la Orquesta del Pueblo durante tres años. Luego se mudó a Nápoles en 1711 para ocupar el puesto de Líder de la Orquesta de la Ópera. En ese momento ya se había convertido en un brillante virtuoso del violín; de hecho, la orquesta parece haber tenido alguna dificultad para seguirlo debido a su virtuosismo de improvisación, o, como dijo el historiador de música Dr. Burney, "sus inesperadas aceleraciones y relajaciones de la medida".
En 1714, probó suerte en Inglaterra, donde su brillante actuación de violín se reunió de inmediato con gran éxito. Londres se había convertido en un importante centro de música europeo, gracias en parte a Handel, que se había estudiado en Roma bajo la dirección de Corelli y, por lo tanto, le trajo una cierta dosis de estilo musical italiano. Geminiani obtuvo mucho apoyo de la aristocracia y de figuras destacadas en la Corte Real, y fue invitado a tocar el violín antes que Jorge I, acompañado por el clavecín nada menos que por Handel. Pronto se estableció en Londres como el principal maestro del violín, con sus conciertos, sus composiciones publicadas y sus tratados teóricos, siendo el primero y más importante "El arte de tocar el violín" (1731) que incluía toda la técnica principios del rendimiento esencial del violín.
También tenía alumnos aristocráticos, entre ellos el conde de Essex, que en 1728 intentó organizar a Geminiani sin éxito para convertirse en maestro y compositor de la música estatal de Irlanda. También fue el conde de Essex quien tuvo que rescatarlo de la cárcel después de endeudarse con su apasionada pasión por el arte y el coleccionismo. Esto puede haberlo llevado a dejar Londres por un período en Dublín en 1733, donde rápidamente se forjó una excelente reputación como profesor, intérprete, promotor de conciertos y teórico de la música. En ese mismo año, abrió una Sala de Conciertos en Dublín, utilizando los locales de arriba para la música y las habitaciones de abajo para intercambiar fotos. Sin embargo, pronto regresaría a Londres para convertirlo en su hogar permanente, aunque hizo una nueva visita a Dublín unos años más tarde.
En este período de la vida musical inglesa, como testificó el ensayista Roger North, la música de Corelli se convirtió rápidamente en la dieta básica de los jugadores y clubes de música: "Luego vino la primera consorte de Corelly que despejó el suelo de cualquier otro tipo de música". Escribió North alrededor de 1726. " Poco a poco el resto de sus consortes, y finalmente los conciertos [0p.6] llegaron, todos los cuales son para los musulmanes como el pan de vida".Ya sea por respeto a su maestro o para "sacar provecho" de la popularidad de su maestro, es una cuestión de especulación; cualquiera que sea su motivo, Geminiani basó sus primeros Concertos publicados en Corelli's Sonatas for Violin and Continuo, Op.5. Más tarde hizo más arreglos de concierto de Corelli's Trios Op.1 y Op.3, además de haber hecho arreglos desde su propio Violin Sonatas Op.4.
Sus propios Concertos, Op.2 y 3, aparecieron en 1732 y 1733, el Op.3 Concerti Grossi se encontraba entre sus obras más populares en ese momento. Los revisó y volvió a publicar en su totalidad en aproximadamente 1755. En opinión de Burney, por lo general un duro crítico de Geminiani, los conciertos Op.3 "establecieron su carácter y lo colocaron a la cabeza de todos los maestros que vivían entonces". especie de composición "( General History of Music , Vol. 4, 1789).
También publicó más conciertos como Op.7 (1746), y The Enchanted Forest, una pantomima escenificada para dos violines y violonchelo con una orquesta de dos trompetas, dos flautas, dos cuernos, cuerdas y timbales, se presentó en París en el Palacio de las Tullerías en 1754.
Como virtuoso del violín de renombre, publicó varias colecciones desafiantes de sus Sonatas de violín que requieren un toque dramático del jugador; de hecho, tal fue la dificultad de su Op.1 y 4 en particular, que muy pocos violinistas contemporáneos se atrevieron a tocarlos en público. Entre los movimientos de Sonata se encuentran las fugas y las dobles fugas, fuertes en el contrapunto imitativo y los pasajes idiomáticos de detención múltiple.
Geminiani proporcionó adornos para movimientos lentos y rápidos, así como cadencias; abogó por el uso de vibrato 'tan a menudo como sea posible'. La expresividad de su interpretación fue muy admirada tanto por Hawkins como por Burney; Tartini lo describió como "il furibondo".
Geminiani era indudablemente aficionado a organizar sus propias obras: entre sus transcripciones se encuentran las versiones de Clavecín (1741) de sus versiones Op.1 y 4 y Concerto Grosso de Op.4 (1743). Su Op.5 Cello Sonatas (publicado en París), junto con una transcripción para violín (emitida en Londres y La Haya), apareció en 1746. Alrededor de 1755 publicó versiones "modernizadas" de Op.2 y 3 Concertos, y en 1757 una disposición final de Op.1 en formato trío.
Ganó aún más fama de la publicación de una serie de tratados prácticos que fueron muy reimpresos, traducidos y parafraseados. Además de El arte de tocar el violín , Geminiani produjo Reglas para tocar en un verdadero sabor (1748), revisado un año después como Tratado de buen gusto en el arte de la música, una armónica Guida con suplemento (c.l754) , El arte del acompañamiento(c.l754) - escrito desde el punto de vista del solista - y El arte de tocar la guitarra o Cittra(Edimburgo, 1760). Cuando se consideran junto con su música y las implicaciones de las alteraciones que hizo al volver a publicar colecciones como Op.1 y 4, los tratados de Geminiani representan una importante fuente de prácticas de desempeño postcorellianas.
Otra versión del Concierto grosso núm. 12 en Re menor, op. 5, “La Follia”
Follia (A.Corelli) by Kurosaki Martínez Verona - da Kamera
Un resumen de la vida del gran compositor alemán Georg Philipp TELEMANN.-
Por encima incluso de sus sinfonías, los conciertos para piano de
Mozart significan el más perfecto logro de la expresión sinfónica
dieciochesca. En lo que respecta a la propia producción de Mozart, a
excepción de sus óperas, es en dichos conciertos para piano donde queda
más cabalmente plasmado lo mejor de su expresión y su aportación más
firme a la historia de la música. El concierto para solista y orquesta,
por lo común sólo de cuerda, consistía básicamente en una forma en tres
tiempos en donde el solista se exhibía gracias a la oposición y
alternancia con la orquesta, limitada a un mero papel de acompañamiento y
arropamiento. De estas premisas partió Mozart en su serie de conciertos
escritos en 1767. Cuando años más tarde vuelve a abordar el género,
apoyado ya en una sólida formación sinfónica, Mozart lo que realmente
hace es reinventar el mismo con un carácter absolutamente nuevo hasta
entonces. Sus conciertos entonces presentan una gran claridad
estructural enriquecida por un gran despliegue de ideas temáticas y una
orquestación en donde los instrumentos de madera adquieren un notorio
protagonismo.
Entre 1784 y 1786 Mozart compuso, aparte de otras obras
considerables, la asombrosa cantidad de doce conciertos para piano. El
inmortal genio de Salzburgo se sirvió de ellos y de su interpretación
pública para asegurar su supervivencia. Dichos conciertos, que suponen
lo más granado y maduro del género, presentan como rasgo común una
curiosa dualidad: Por un lado fueron las obras más personales creadas
por Mozart debido a que él mismo debía ser el intérprete solista en las
ejecuciones. Por otro lado, Mozart no cayó en el virtuosismo fácil
solista, sino que quiso conservar el encanto que él mismo encontraba en
los conciertos para solista y orquesta. Como el mismo Mozart declaró, “estos
conciertos son un justo medio entre lo fácil y lo difícil, brillantes,
agradables al oído pero sin llegar a ser triviales”. El pianoforte
de la infancia de Mozart, de sonido tenue y ligero, se convirtió a lo
largo de sus obras de madurez en el poderoso piano que llegaría a ser
vehículo indispensable para la posterior expresividad romántica.
El Concierto para piano nº20 en re menor, K. 466,
es uno de los más conocidos e interpretados de toda la producción
mozartiana. Terminado el 10 de febrero de 1785 y al parecer estrenado
ese mismo día — según lo afirmado por el padre del compositor en una
carta dirigida a su hija Nannerl y fechada el 14 de febrero — el
concierto pertenece a una época en donde Mozart se encuentra en la cima
como compositor. No es de extrañar entonces que Haydn confesara a
Leopold poco tiempo después: –“Vuestro hijo es el compositor más grande que conozco”–
Es innegable que esta obra abre nuevas perspectivas en la evolución
estética de Mozart: La elección de una tonalidad en tono menor — la
misma que la de la obertura del Don Giovanni –, la
valoración de las riquezas ofrecidas por la orquesta y el sentimiento de
tragedia que se desprende de la ejecución durante los primeros compases
bastan para probarlo.
Mitsuko Uchida al frente de la Orquesta del Mozarteum de Salzburgo y la de Ivan Klansky acompañado por los Virtuosos de Praga dirigidos por Jiri Belohlavek.
Éste Concierto yuxtapone el sentir barroco y clásico tradicional con el estilo melódico italiano, por esta razón se hace glosa de los dos periodos de la historia de la música.
La música barroca (1600-1750)
Una de las
caracteristicas del barroco más importantes fue la música ya que este periodo destacó por ser en el que hubo grandes cambios
en este arte. y seguido la música barroca se clasifica en 3
fases barroco primitivo medio y tardío teniendo las propias matices en cada
periodo. La música barroca se representó por géneros como las sonatas óperas y
sinfonías.
Es durante este periodo dónde surgen
diferentes géneros musicales que en la actualidad se les conoce como clásicos;
las cantatas, sonatas, óperas, suits y oratorias.
Durante el Barroco aparece la orquesta
en donde se predominan los instrumentos de cuerda como el violín, viola y
violonchelo, a los cuales se fueron añadiendo otros instrumentos de Viento y
percusión.
Es de esa época el manejo del bajo
continuo, siendo interpretado mayormente por uno o más instrumentos Melódicos
graves como la viola el fagot y violonchelo añadiendo instrumento armónico para
las acordes cómo el arpa, laúd, clave un órgano.
Durante el barroco se dio el desarrollo
de la armonía tonal en la cual queda subordinada a los acordes y el ritmo de la
armonía es rápido cambiando muy frecuentemente de acordes. Sobresaliendo por
los fuertes constantes sonoros entre instrumentos de Cuerda viento percusión
coro o un solista y orquesta.
La danza en el barroco
La
danza durante el barroco fue adquiriendo una reglamentación diferenciándose de
las danzas renacentistas y medievales, en las cuales perdurará un cierto
desorden en los movimientos llegaron a surgir varias danzas distintivas de este
periodo cómo la chacona, la tarantela, el minué, el ballet, la giga, la
allemanda y el cuorante.
Haciéndose
reglas para cada tipo diferente de danza coordinando los tiempos en los cuales
se defiende hacer algunos movimientos mediante ritmos lentos, rápido, ternarios
como binarios, con diferentes compases danza característica del barroco es el
ballet la cual surgió en los bailes de la corte francesa transformándose para
luego ser un baile que poco a poco para ser a ser interpretado profesionales
bailarines. Señalar qué diferentes movimientos actuales del ballet fueron
creados por Luis XIV quién era un asiduo bailarín
La música clásica en el periodo del clasicismo (1750-1827)
El Clasicismo es el periodo que se
enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Desde el año 1750 con la muerte de
Bach y el año 1827, con la muerte de Beethoven. El Clasicismo es la época de la
Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña
nobleza. Su principal obra fue La Enciclopedia, que sirvió para divulgar la
cultura. Esta burguesía será el nuevo público que aprecie sus obras.
La música deja de verse encerrada en
iglesias y palacios y se puede disfrutar en las casas de los burgueses o en
espectáculos públicos.
La música del Clasicismo es la música
del equilibro, busca el orden y la claridad, que demuestra en sus melodías y
armonías simples y sencillas, muy fáciles de comprender para el público. Es
música refinada y elegante.
El instrumento más importante del
período del Clasicismo es el Piano. La evolución del Clave (que ya hemos
estudiado en la música en el Barroco) es el
llamado "pianoforte". El clavecín no podía hacer sonidos más
fuertes o más suaves, siempre emitía los sonidos con la misma intensidad. Su
evolución podía, en cambio, variar esta intensidad según si se tocaban las
teclas con mayor o menor fuerza. Los términos musicales para suave y
fuerte son piano y forte, por eso este nuevo instrumento se llamó así,
pianoforte, aunque con el paso del tiempo el nombre se acortó hasta ser
conocido simplemente como piano, tal y como lo conocemos actualmente.
El piano permitía trabajar perfectamente
las características de equilibrio orden y sencillez del clasicismo, trabajando
a la vez melodías y armonías que encajaban dentro de lo que tenían que ser en
el período clásico sin problemas.
Los tres grandes músicos del Clasicismo
son Hydn, Mozart y Beethoven, que trabajaron en Viena, la ciudad más importante
en contexto musical.HASTA PRONTO
