CONCIERTO DE ABONO SINFÓNICO A7 ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA VIERNES 17 FEBRERO 2017

AUDITORIO MANUEL DE FALLA

Un paseo por Europa

Antonín DVOŘÁK
Suite checa en re mayor, op. 39

Carl NIELSEN
Concierto para clarinete y orquesta, op. 57

Arvo PÄRT
Cantus In Memoriam Benjamin Britten

Joseph HAYDN
Sinfonía núm. 104 en Re mayor, “Londres”

José Andrés Fernández Camacho clarinete
PETER CSABA director

Antonin  DVORAK  (1841-1904)

Suite checa en re mayor 0p. 39

Historia de la composición.

Tras el éxito de las Serenatas en mi mayor y re menor, Dvorak tenía en mente para escribir otra obra de la misma disposición oficial, esta vez incorporación de bailes populares checas. Para este objetivo, sin embargo, de etiqueta "serenata" no era del todo adecuado, decía así la idea inicial Poco a poco cristalizada en la decisión de escribir una suite, que, para el estreno, lo cual dado el subtítulo "Checa". La primera obra que realiza en Praga el 16 de mayo de 1879 en un concierto organizado por la Asociación de Periodistas Checa, llevado a cabo por Adolf Cech. Un año más tarde llevó a cabo su Dvorak Suite Checa a sí mismo en Praga, el 29 de marzo 1880. Mientras un concierto benéfico para recaudar dinero para la construcción del Teatro Nacional. La obra que publicó en 1881 por la firma con sede en Berlín Schlesinger.

La Suite Checa está escrita en cinco partes. La primera, marcada Preludio (pastorela), es de hecho una especie de introducción lírica a los movimientos posteriores, con muy poco contraste y una línea melódica en las voces superiores fluyen suavemente por encima de ostinato figura graves Consta de dos tonos alternantes Simplemente enteros. El segundo movimiento es una estilización poética de la danza popular checa "polka"; el tema principal en su configuración principal de re menor es esencialmente de naturaleza melancólica, pero más tarde se traslada a fa mayor y se vuelve más rítmica y expresiva. El movimiento está dispuesto en tres partes, A-B-A. El tercer movimiento está inspirado en otro baile popular, de "Sousedská", un baile lento en tiempo de 3/4, y es típico por su colorido tratamiento imitativa del tema principal. El cuarto movimiento, marcado Romance, ofrece un nocturno lírica maravillosa en la que, para un acompañamiento serena en las cuerdas, una amplia melodía se abre al arco en la flauta y luego es absorbido por otros instrumentos. La final Furiant completa el número de la suite en estilo deslumbrante, con su famosa expresión y el temperamento más ruidosa: en las fuerzas puras coda orquestal Dvorak la alineación existente con una trompeta y timbales. Este movimiento ha sido comparado con las Danzas Eslavas con el que comparte sus ritmos de agitación y sensación de abandono. En su lirismo, vitalidad, rica invención melódica y la claridad formal, el Suite Checa es uno de los más característicos de las obras de Dvorak.

I. Preludium (Pastorale)
II. Polka
III. Sousedská (Minuetto)
IV. Romance (Romanza)
V. Finale (Furiant)

Carl NIELSEN  (1865-1931)

 Concierto para clarinete y orquesta, OP. 57

En 1928 es concebida esta obra que en principio debía integrar un ciclo de 5 conciertos dedicados al Quinteto de vientos de Copenhagen (solo 2 fueron terminados a la muerte del compositor).

“Ha debido tocar el clarinete él mismo, de otra forma el no hubiera podido jamás encontrar justo las notas mas difíciles de interpretar (...)” así lo declaró el eminente clarinetista danés Aage Oxenvad (para quien fue dedicado dicho concierto) después de haber estrenado el concierto para clarinete de Nielsen el 11 de octubre de 1928 en Copenhagen. Aquí el clarinete es tratado como un “personaje” con las características psicológicas del interprete Oxenvad, célebre por su carácter irascible y temperamental siempre proclive a la querella. La partitura se presenta en un solo movimiento en la que se identifican claramente cuatro secciones sinfónicas – una primera animada, una lenta, la tercera emparentada con el scherzo y una especie de rondo para finalizar.

La primera sección - Allegretto un poco – muestra un tema impetuoso en las cuerdas graves que luego desarrolla el instrumento solista antes de exponer un segundo sujeto cantabile más estable y apacible. La recapitulación surge de una primera cadencia del clarinete. Durante toda la sección escuchamos las intervenciones del redoblante, intempestivo rival del solista.

El Poco Adagio en ¾ (segunda sección) presenta una larga melodía del corno acompañado por los fagotes; interrupción brusca del redoblante y pasajes en el registro agudo del clarinete; el tema inicial cierra esta parte.

La tercera sección un Allegro non troppo se inicia con un nuevo tema en 3/8 a cargo de los primeros violines seguida de una intervención agitada, en síncopas del clarinete que desemboca en una segunda cadencia virtuosa y expresiva.

Una última sección – Allegro vivace – comienza con un tema en 2/4 que el solista anuncia casi ingenuamente; el movimiento gana amplitud y energía mientras que el redoblante no cesa su accionar y finalmente, se impone la réplica triunfante del clarinete culminando apacible esta peculiar obra, piedra angular del repertorio concertante del clarinete en el siglo XX.

Arvo PÄRT  (1935-)  El minimalismo  sacro

La calma de Arvo Pärt     Enlace expliación del estilo compositivo del minimalismo

http://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-y-significado/musica-significado-arvo-prt-fratres-13-03-15/3042738/

No toda la música del siglo XX está compuesta a partir del color de la disonancia. Algunos autores como Arvo Pärt naciío en 1935 en Estonia nacionalizado alemán) presentan una música que sugiere ambientes y sensaciones de épocas anteriores, pero desde una cierta lejanía.

Cantus In Memoriam Benjamin Britten

El compositor estonio Arvo Pärt nació en Paide, Estonia, en 1935. Eso quiere decir que nació en un estado independiente, pero a partir de los cinco años fue ciudadano de la URSS, dado que ésta se anexionó Estonia en 1940.Arvo  tuvo muchas influencias de todo tipo,incluidas las soviéticas. Tocó todos los palosl , buscando su lugar bajo el sol musical… casi todos ellos con no demasiado éxito. Neoclasicismo, dodecafonismo, serialismo y algún que otro “ismo” más…

No tuvo éxito. Sus obras no tenían inspiración, le desagradaban a él y, de paso, a los jerarcas soviéticos que tanto fastidiaron a Shostakovick, Khachaturian, Prokofiev y otros compositores por no componer “música patriótica”, sea eso lo que sea. Pero no había manera. Ni con obras “oficiales” ni con obras “rompedoras”. Estuvo Pärt a punto de dejar para siempre la composición.

Sufrió una profundísima crisis personal, no sólo compositiva, de la que consiguió salir abrazando la religión ortodoxa rusa y refugiándose en las formas primigenias de la música occidental: el canto llano medieval. También el canto gregoriano, la primera polifonía medieval, etc. Vuelta a las raíces. Y ahí sí que obtuvo el éxito con un estilo muy personal, con obras con esquemas muy simples, minimalistas, llenas de sentimiento, que llegan directas al corazón de una forma atávica e inmemorial…

La obra de hoy es un magnífico ejemplo. Compuesta a principios de 1977, tan sólo unas semanas después de conocerse la muerte de Britten, a quien, por cierto, nunca llegó a conocer, se basa en una nutrida orquesta de cuerda (en este caso ni el viento ni la percusión, a excepción de una única campana, tienen vela en el entierro… nunca mejor dicho) entonando sencillas escalas en canon siempre girando machaconamente alrededor de un acorde de La menor. La música va cambiando, girando, transformándose siempre alrededor de las mismas notas, siempre parecido pero siempre diferente, punteada por una obsesiva campana que entona una y otra vez una nota La… La… La…

Joseph  HAYDN  (1732-1809)

Compositor austriaco. Con Mozart y Beethoven, Haydn es el tercer gran representante del clasicismo vienés. Aunque no fue apreciado por la generación romántica, que lo consideraba excesivamente ligado a la tradición anterior, lo cierto es que sin su aportación la obra de los dos primeros, y tras ellos la de Schubert o Mendelssohn, nunca habría sido lo que fue. Y es que a Haydn, más que a ningún otro, se debe el definitivo establecimiento de formas como la sonata y de géneros como la sinfonía y el cuarteto de cuerda, que se mantuvieron vigentes sin apenas modificaciones hasta bien entrado el siglo XX.

Aunque titulada "Londres", la Sinfonía 104 de Haydn es tan sólo la última de una serie de doce sinfonías que el compositor escribió durante su estancia en la capital inglesa y con las que puso fin a su contribución al género. Aunque durante los años que pasó al servicio de la familia Esterházy gozó de libertad para, según sus propias palabras, "ser original", cuando tuvo que regresar al circuito comercial lo hizo con un ímpetu experimentador casi inédito en su carrera.

La Sinfonía arranca con una serie de solemnes y dramáticos acordes que captan nuestra atención al instante. Siguen unos delicados fraseos que enlazan con una nueva interpretación de ésos mismos acordes iniciales (esta vez sin percusión). Tras darle alguna vuelta más al mismo tema y repetir la estructura citada anteriormente, finaliza el adagio y da comienzo, con la acostumbrada energía de Haydn, el allegro de este primer movimiento. Un movimiento cargado de entusiasmo y colorido que sintetiza todo lo que hace irresistible la música del austriaco. Esas sensaciones de vitalidad y optimismo se prolongan (incluso exageradamente) hasta el final de la pieza, la más larga de la sinfonía.

El segundo movimiento es un andante. Presenta la forma de un lied dividido en tres partes, siendo más apacibles la primera y la última y más violenta la central. El tema principal es sencillo, aunque Haydn sabe dotarle de hondura a lo largo del movimiento usando magistralmente melodía y armonía. El tercer movimiento es el minueto. Es el más corto y academicista de los cuatro. Sólo el protagonismo de los instrumentos de viento de madera rompe un esquema rígido, escrito con escrupulosidad por Haydn. Para el Finale el compositor escoge la forma de sonata y aprovecha para introducir la música folclórica en la partitura. El tema principal proviene de una juguetona melodía popular originaria de Croacia y que es manipulada por el compositor en complejos desarrollos que resultan en un brillantísimo final para la última sinfonía de Haydn.

La Sinfonía 104, "Londres" se estrenó el 4 de mayo de 1795 en el King's Theatre de Londres. El exitoso evento contó con un repertorio consagrado por completo al músico austriaco quien dirigió además todas las interpretaciones.

HASTA PRONTO.-

YUN & CLEARFIELD & PROKOFIEFF

DOMINGO 19 DE FEBRERO DE 2017, 12:00 h.
AUDITORIO MANUEL DE FALLA

Isang YUN     
Together para violín y contrabajo

Andrea CLEARFIELD     
Tres temas sobre poemas de Pablo Neruda, para oboe y contrabajo

Serge PROKOFIEFF         
Quintet, op. 39 “Trapeze” para oboe, clarinete, violín, viola y contrabajo

ENSEMBLE TRAPEZE
Eduardo Martínez oboe
José Luis Estellés clarinete
Marc Paquin violín
Donald Lyons viola
Günter Vogl contrabajo

GEGSA – AUDITORIO MANUEL DE FALLA – OCG
con la colaboración de la    ASOCIACIÓN AMIGOS DE LA OCG

1. Tema con variazioni
2. Andante energico . 
 3 Allegro sostenuto, ma con brio 
4. Adagio pesante
5. Allegro precipitato, ma non troppo presto
6. Andantino
recorded by Rafi Eshel

La pieza, que escrito en 1924. Prokofiev lo que significa vivir en París en el momento y recibió un encargo de Boris Romanov, un bailarín y coreógrafo de danza Touring Company de Sergey Diaghilev. Romanov por objeto presentar un ballet tema del circo, titulado "Trapecio" La inclusión de payasos y acróbatas, pero lo que no Prokofiev cargado de tener que componer una historia detallada o trama. Decía así, la pieza podría funcionar como un ballet o la obra de cámara pura, y es tenido éxito en ambos casos.

Es interesante observar lo hizo Igor Stravinsky así que lo que trabaja para el ballet de Diaghilev en París, en el tiempo lo hizo. Estamos familiarizados con la consagración de la primavera, El pájaro de fuego, Petrushka y muchos otros ballets. Prokofiev, que en gran medida influenciado por el estilo de Stravinsky, y por lo que creó una obra enérgica, muy coloreado, llena de humor sarcástico y ritmos insistentes

CONCIERTO DE ABONO P3 ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA VIERNES 3 FEBRERO 2017

viernes 3 febrero,sábado 4 febrero, 20:30 h
AUDITORIO MANUEL DE FALLA

Javier Perianes / MOZART

Wolfgang Amadeus MOZART
Quinteto para piano y vientos en Mi mayor, K 452
Concierto para piano núm. 23, K 488
Concierto para piano núm. 21, K 467

JAVIER PERIANES piano

Quinteto para piano, oboe, clarinete, trompa y fagot, en mi bemol mayor, K. 452

Mozart consideraba este quinteto, acabado el 30 de marzo de 1784, en la proximidad de toda una serie de conciertos para piano (K. 449, 450, 451, 453, 456, 459...) y que vendría a ser su única partitura para vientos y piano, ¡como su mejor obra compuesta hasta el momento! A la vez música de cámara refinada, divertimento aristrocático y ejemplo perfecto de diálogo concertante, en efecto es un logro que ningún otro compositor ha igualado, ni siquiera Beethoven, cuyo juvenil op. 16 adopta deliberadamente la misma plantilla y la misma tonalidad. Se trata, en cierta medida, de un concierto de cámara, género en el que los cuartetos con piano K. 478 y 493 alcanzarán la perfección.

1. La obra se abre con una amplia y majestuosa introducción lenta (Largo), de gran unidad expresiva pese a la multiplicidad de sus ideas melódicas (¡paradoja bien mozartiana!). La exposición, pese a todo concisa, del Allegro moderato presenta la misma abundancia: sólo una pizca de ella bastaría para nutrir un movimiento de un compositor menos pródigo. La llegada a la tonalidad de la dominante es lo único que permite identificar al "segundo" tema, pero, no obstante, es solamente el primero -formado por un dulce antecedente sincopado del piano y de una respuesta decidida del tutti (con un motivo ascendente y con trino que se volverá a encontrar en el Larghetto)- el que es utilizado en el breve pero estricto desarrollo que inicialmente modula por tonos ascendentes, y después trabaja `por eliminación la pequeña desinencia dos semicorcheas-negra. La reexposición es muy variada en el detalle, no solamente en el reparto de los instrumentos, sino también por un nuevo y breve desarrollo modulante del tema principal. Todavía hay una pequeña coda, con un diseño virtuosístico para solo de trompa.

2. El Larghetto en si bemol (3/8) es uno de los más raros milagros mozartianos. Es una forma sonata, pero aquí, cosa excepcional en un movimiento lento, el desarrollo central es muy largo. Se observa de entrada el motivo trinado que viene del primer movimiento. Después se entabla un maravilloso diálogo modulante entre los vientos. Un "puente" en corcheas ligadas con cromatismos lánguidos y sensuales lleva al tema conclusivo, cantado por el piano bajo los acordes de los vientos. El desarrollo parece querer arrancar de un nuevo tema en mi bemol; pero, repentinamente, comienza una de esas revêries armónicas de audaces cromatismos de las que Mozart posee el secreto. Al poco tiempo, henos proyectados hacia mi menor, do mayor y re menor. Con la reexposición, en el piano, la sima entreabierta parece que se vuelve a cerrar, pero nuevas aventuras nos esperan. La melodía de la trompa que dió lugar al diálogo de los vientos en la exposición, aparece completamente transformada, en un recorrido modulante de nuevo atormentado y complejo, y el "puente" en corcheas ligadas cromáticas es enormemente amplificado. El tema conclusivo es ahora tratado también en diálogo.

3. El Rondo (Allegretto) posee un estribillo memorable, gracioso y noble a la vez, expuesto por el piano solo y recapitulado después en tutti. El tema del primer episodio intercalado recuerda por sus síncopas al del primer movimiento. El segundo, oscila sin cesar entre do menor y mi bemol, en un diálogo concertante de una melancolía graciosa y sonriente. Un desarrollo modulante a través de tonalidades menores conduce inopinadamente al retorno del primer couplet, en sustitución del estribillo, del cual solamente la segunda mitad es recapitulada. Un calderón introduce una cadenza in tempo para todos los instrumentos, de la que se desarrollan imitaciones en un tercer couplet con un tema nuevo, gracioso, en diálogo concertante, que precede a la última reaparición del estribillo inmediatamente seguido por una coda que retoma la segunda mitad del estribillo inmediatamente seguido por una coda que retoma la segunda mitad del segundo couplet antes de concluir con algunos compases enérgicos.

Concierto para piano y orquesta n.º 23 en la mayor, K. 488

Fue terminado, según el catálogo temático que llevaba el propio Mozart, el 2 de marzo de 1786, aproximadamente en el momento del estreno de su ópera Las bodas de Fígaro. Fue uno de los tres conciertos por subscripción que ofreció esa primavera y probablemente fue interpretado por el propio Mozart en uno de ellos.

El primer movimiento es alegre y positivo en su mayor parte, pero con los ocasionales toques melancólicos típicos de las piezas de Mozart . El segundo movimiento, en forma ternaria, es apasionado y algo operístico en el tono. El piano empieza sólo con un tema caracterizado por inusuales saltos grandes. Las dinámicas son suaves en la mayor parte de la pieza. El tercer movimiento es un rondó, oscurecido por los traslados de tonalidades  con una sección central cuyo inicio  se ve interrumpido por una melodía de clarinete, una intrusión que nos recuerda, que la música instrumental en ese momento se vio influida por la ópera buffa y sus repentinos cambios de punto de vista así como de escena.

El Concierto para piano n.º 21 en do mayor, K. 467, de Wolfgang Amadeus Mozart fue completado el 9 de marzo de 1785 y estrenado un día después, el día 10 de marzo, en el Teatro de la Corte Imperial y Real de Viena, en un concierto promocionado por el mismo Mozart. Este es uno de los conciertos para piano más populares del compositor.

Allegro maestoso  

Andante   

Allegro vivace assai

El primer movimiento se inicia de forma tranquila con una alegre marcha en las cuerdas bajas que es respondida por las cuerdas altas y los vientos-madera. De seguida un alegre arrebato se mezcla con el tema principal. El piano hace una entrada tranquila con una configuración en forma de escala (compás 74) que desemboca en una corta cadenza (compás 79) que termina en un trino antes de que toda la orquesta repita el tema principal. El piano elabora un poco más antes de agregar otra idea en sol mayor, que es precedida por un pasaje en la extraña escala de sol menor (compás 109). El tema principal se presenta en sol mayor, y pasa por escalas por parte del solista mientras los vientos-madera interpretan una figura melancólica. Esto pronto transita al tranquilo inicio y una reexposición en la tonalidad principal de la idea presentada anteriormente en sol mayor. Pronto, el tutti lleva el movimiento a una cadenza antes de la orquesta lo concluya con la sección final del inicio, ligeramente modificado para terminar en una nota tranquila pero distinta.

El andante se inicia con una figuración de terceto en el bajo soportando una melodía lánguida. Luego de una exposición reposada de la orquesta, el solista retoma el terceto y comparte la melodía con el conjunto. Hay breves momentos de "tristeza", pero en general el tono del movimiento es brillante y calmo.

El rondo final se inicia con la orquesta presentando un alegre y "saltarín" tema. Luego de una breve cadenza, el piano se une y elabora un poco más los temas. En apariencia el estilo es de pregunta-respuesta, con un intercambio fluido de roles por parte del piano y el conjunto. El solista usa las escalas y los arpegios para adornar los temas y una corta cadenza que transita a un tema principal. El tema principal se presenta una vez más, llevando el movimiento en sentido ascendente que termina en una nota triunfante.

W. A. Mozart Concierto para piano Nº 21 en do mayor, K. 467
Orquesta Sinfónica RTVE.
Javier Perianes, piano
Juanjo Mena, director
Teatro Monumental en Madrid 2015.

https://gloria.tv/video/iM6MnMzJNEWD3rdVnpEyHXgsF

HASTA PRONTO

NO SE PUEDE PEDIR PERAS A UN OLMO.

Si me callo reviento, pido disculpas al que pueda ofender. Lo siento ya de antemano, y felicito a la Orquesta Ciudad de Granada.

Opinión del concierto de abono A6 Orquesta Ciudad de Granada con la Joven Academia Obra MAHLER V. viernes 27 enero 2016 en el Auditorio Manuel de Falla.

NO SE PUEDE PEDIR PERAS A UN OLMO

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Versión de menos duración de lo habitual. Interpretación sin el más mínimo legato entre las distintas frases y temas de ninguna expresión, sin textura musical, con poca implicación en la dirección limitándose a marcar el compás, vigilante de los alumnos de la Academia, que no desafinaron debido a los ensayos de la semana, y las instrucciones de los profesores de la Orquesta.

Buen esfuerzo de la O.C.G. pero sin éxito, con buena experiencia, para nosotros los abonados, que ya teníamos ganas de asistir a una interpretación en el Auditorio, de una sinfonía grande de Gustav MAHLER.  

HASTA PRONTO.-

CONCIERTO DE ABONO SINFÓNICO A6 ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA VIERNES 27 ENERO 2016

viernes 27 enero, 20:30 h
AUDITORIO MANUEL DE FALLA

Con la Joven Academia de la OCG (I) / MAHLER V

Eduardo SOUTULLOOctophonics (estreno)

Gustav MAHLER
Sinfonía núm. 5 en Do sostenido menor

Joven Academia de la Orquesta Ciudad de Granada
(Taller orquestal OCG-Real Academia de Bellas Artes de Granada)
JOSEPH SWENSEN director

Gustav MAHLER (1860-1911)

La sinfonía núm.5 en Do sostenido menor, compuesta en los veranos de 1901 1902,(pues no tenía tiempo para componer, en las temporadas por su labor exhaustiva de dirección y montaje de óperas),se ha convertido en una leyenda, en parte, gracias a que Visconti la utilizó en su pelicula Muerte en Venecia. Pero también debe su fama a la belleza intemporal del Adagietto, concebido como regalo de amor a su esposa Alma de la cual estaba muy enamorado.

La obra rebosa un estado de ánimo especial. De todas sus sinfonías es probablemente la que aglutina de manera más evidente las obsesiones mahlerianas: la muerte, el amor, la exaltación de la naturaleza, los paisajes campestres, la música popular…Se dice que es la más optimista de todo su ciclo sinfónico. La muerte está presente al inicio, pero después el amor y la vida cobran una singular importancia.

Concebida en cinco movimientos, el primero es una majestuosa Marcha Funeral, que cobra por momentos una salvaje intensidad. El desasosegante toque de trompeta inicial suena a otra famosa Quinta, la de Beethoven. El segundo movimiento se explaya en la idea de la muerte, realizando una reflexión musical de acendrados contrastes: la desesperación y el drama conviven con la dulzura y la esperanza. El Scherzo que viene a continuación, trufado de ritmos vieneses, cierra este primer bloque de la Quinta, compuesto en 1901.

De un carácter distinto son los dos últimos movimientos, el célebre Adagietto y el Finale. Están escritos en 1902 y en ellos predomina una pulsión vital distinta, más primitiva y menos teñida por las neurosis del hombre moderno. El amor y la vida se presentan sonoramente de forma pura y lúdica, con inocencia y energía adolescentes.

Cuelgo algunos vídeos sobre su monumental figura de su tiempo, y venideros, incidiendo en el significado que ha tenido y tiene en la música del siglo XX, y actual.

Gustav MALHER "Grandes Compositores"

En este vídeo se presenta un resumen de las dos conferencias desarrolladas por José Luis Pérez de Arteaga en las que indaga en la vida, la obra y en la compleja época que le tocó vivir a Gustav Mahler. Analiza su familia, sus afectos, su carrera musical, desde sus inicios hasta su vigencia actual como uno de los compositores más interpretados de nuestro tiempo. El análisis riguroso de Pérez de Arteaga contribuye a esclarecer numerosos episodios poco conocidos de la biografía de uno de los mayores creadores del siglo XX, a pesar de su prematuro fallecimiento.

El Arte de Dirigir - Prof. Manuel Lafar

Observar la posición  de su mano izquierda y de la derecha con el movimiento de batuta, y sobre todo su gestualidad facial en su dirección orquestal de Lorín MAAZEL.

HASTA PRONTO.-

CONCIERTO DE ABONO SINFÓNICO A5 ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA VIERNES 20 ENERO 2017

Proyecto MOSAICO DE SONIDOS / MENDELSSOHN V

Emilio ARAGÓN
La flor más grande del mundo (estreno)
(texto de José Saramago)

Edward ELGAR
Salut d’amour, op. 12

Felix MENDELSSOHN
Sinfonía núm. 5 en Re menor, op. 107, “De la Reforma”

LORENZO VIOTTI director

La música como instrumento de desarrollo personal y de integración social es el eje central del proyecto Mosaico de Sonidos, un programa de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas (AEOS), Plena inclusión y la Fundación BBVA. Su objetivo es acercar a las personas con discapacidad intelectual o del desarrollo a la música y ayudarles a descubrir sus posibilidades expresivas, convirtiéndoles en compositores e intérpretes, e integrándoles en una orquesta sinfónica durante un concierto, contribuyendo así a su inclusión social.

El programa está siendo desarrollado desde hace meses por catorce orquestas, entre ellas la OCG de Granada, y ocho federaciones autonómicas de Plena inclusión a través de talleres de creación sonora que lideran 140 músicos y personal administrativo de las orquestas y en los que participan 228 personas con discapacidad.

La actividad de los talleres se está articulando en torno a La flor más grande del mundo, una composición de Emilio Aragón -que ha cedido su uso a este proyecto- y basada en el cuento homónimo del Nobel de Literatura José Saramago. "Buscábamos una música que fuera a la vez muy positiva, alegre y fácil de asimilar", explica Mikel Cañada, creador y de Mosaico de Sonidos.

Edward William Elgar fue un compositor inglés. Muchas de sus obras forman parte del repertorio clásico de concierto británico e internacional.

Se ha descrito a Elgar como el primer compositor que se tomó en serio el uso del gramófono. Entre 1914 y 1925, dirigió una serie de grabaciones de sus obras.. Aunque a menudo se lo considera un típico compositor inglés, la mayoría de las influencias musicales de Elgar no provenían de Inglaterra, sino de la Europa continental. Se sentía un extraño tanto musical como socialmente. de formación musical autodidacta,en un mundo protestante se le valoraba mal por su catolicismo

Edward   ELGAR  (1857-1934)

Salut d"amour op.

Versión original de   Salut d”amour compuesta por Edward ELGAR como regalo de boda a su mujer Carolina Alice ,escritora, hija de un alto oficial del ejército británico. Ella le inspiró tanto a nivel musical como social durante toda la vida.

 Sinfonía Nº 5 "Reforma" de Félix Mendelssohn

1.     andante - Allegro con fuoco

2.            Allegro vivace

3.            Andante

4.            Andante con moto - Allegro maestoso 

La Reforma fue el movimiento religioso que llevó al establecimiento del protestantismo. Martín Lutero lideró la rebelión contra la dominación espiritual, política y económica de la Iglesia Católica. En 1519 desafió abiertamente el poder del Papa; en 1520 quemó públicamente la orden del Papa de excomulgarle. Lutero tenía muchos seguidores y la batalla posterior entre católicos y protestantes fue feroz. En 1530 los luteranos se habían ganado el derecho de determinar la religión del pueblo bajo su gobierno. Sus creencias se pusieron de manifiesto en un documento presentado en la reunión convocada en Hamburgo por el emperador Carlos V, con el propósito de resolver las diferencias entre protestantes y católicos. Carlos y los católicos no podían aceptar las ideas de Lutero y la división entre las dos partes de la cristiandad se hizo permanente. El documento, conocido como la Confesión de Augsburgo, se convirtió en la manifestación fundamental de la fe protestante.

Félix fue criado como luterano. El, como su padre, mantuvo importantes lazos espirituales con el judaísmo, pero sus creencias eran totalmente protestantes. Era un humanista que a menudo defendía a los judíos y estaba orgulloso de su herencia, pero era también un protestante devoto que compuso manifestaciones de fe cristiana tales como Te Deum, Magníficat, himnos, motetes, cantatas, y la Sinfonía Reforma. Es realmente extraño que el nieto de un filósofo judío compusiera música cristiana, pero el liberalismo del abuelo llevó, aunque indirectamente, a la conversión del nieto.

La Sinfonía Reforma fue compuesta en 1830 y estrenada en 1832, en Berlín. Es irónico que el nieto de Moisés Mendelssohn, considerado por muchos el más grande intelectual judío de su siglo, compusiera una sinfonía en honor del tricentenario de la Reforma Protestante. Félix Mendelssohn estaba profundamente interesado en la música de Bach y la Sinfonía Reforma puede ser considerada como un homenaje al espíritu religioso del antiguo maestro y a su maestría contrapuntística.

 La introducción de tipo coral, que abre casi como una fuga, debe mucho a Bach. El Dresden Amen se escucha dos veces en las cuerdas justo antes de que el andante conduzca al allegro. El contrapunto al estilo de Bach se escucha en gran parte del primer movimiento.

El segundo movimiento es la única parte de la sinfonía que refleja el estilo liviano y delicado de Mendelssohn. El movimiento es un scherzo, muy sueltamente derivado (por inversión) del motivo Dresden Amen. El breve movimiento lento conduce directamente al final.

En la apertura del último movimiento, un solo de flauta entona la melodía del himno de Lutero, que está desarrollada en un contrapunto imitativo. Más tarde en el movimiento regresa el himno en los bronces, como un cantus firmus. La obra termina con una manifestación plena del himno, simplemente armonizado a la manera coral

El director de orquesta Pienaar Fourie , hará historia con su estreno de su nuevo arreglo de la hermosa obra de Mendelssohn Sinfonía Coral de Reforma (n º 5) 3º y 4º mov.

Adaptado, organizado y dirigido por las palabras alemanas Pienaar Fourie.With Martin Lutero. 

Orquesta Sinfónica de Johannesburgo. Con Mandie de Villiers-Schutte, Esther Wallis, Sidwell Mile, Tsotleho Motshabi.

Mendelssohn 5 Choral Symphony 3º mov

Con el fin de elevar esta sinfonía a una declaración religiosa e histórica como corresponde a la propia reforma, Fourie decidió transformar esta interpretación instrumental del himno de Lutero en una sinfonía coral.Dispuso los movimientos tercero y cuarto para 4 voces solistas, coro de 4 partes y orquesta. Después de adaptar las palabras alemanas a esta música, también hizo versiones en inglés y afrikaans.

Comentario.- Gracias, Johann Sebastian Bach, gracias Felix Mendelssohn Bartholdy y final a Pienaar Fourie, por su arreglo de éste Himno de la Iglesia Protestante.

HASTA PRONTO.-

UNA HORA DE CÁMARA AUDITORIO MANUEL DE FALLA" RUSIA ÏNTIMA" DOMINGO 15 ENERO 2017

Sergéi RACHMANINOV    
Romance y Scherzo para cuarteto de cuerdas del Cuarteto núm. 1 (inacabado)

Arvo PÄRT       
Fratres, versión para cuarteto de cuerdas

Dmitri SHOSTAKOVICH      
Piano quintet en Sol menor, op. 57

QUINTETO CONCORDA
Javier Herreros piano
Peter Biely violín
Mariela Comesaña violín
Donald Lyons viola
José Ignacio Perbech violoncello

Serguéi Vasílievich Rajmáninov fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso, uno de los últimos grandes compositores románticos de música clásica europea y considerado uno de los pianistas más influyentes del siglo XX

Arvo Pärt 1935----) es un compositor estonio. Se lo identifica como precursor de la música minimalista, y más específicamente del «minimalismo sacro». Es considerado un pionero en ese estilo, como sus contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener.

Explicación del método compositivo minimalista sacro del compositor Arvo Pärt y de su obra Fratres (hermanos) y las 17 versiones de presentación con distinta instrumentación. Enlace del programa de Radio Clásica “Música y significado”.-

http://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-y-significado/musica-significado-arvo-prt-fratres-13-03-15/3042738/

El quinteto para piano en sol menor opus 57, de Dmitri Shostakovich es uno de sus trabajos más conocidos de cámara del compositor  Al igual que la mayoría de los quintetos para piano , está escrito para piano y cuarteto de cuerda 

Shostakóvich comenzó a trabajar en la pieza en el verano de 1940 y se terminó en 14. Fue escrito para la edición de septiembre del  1949.

Cuarteto Beethoven , al igual que la mayor parte de sus cuartetos de cuerda, estrenado por ellos con el propio Shostakovich en el piano el 23 de noviembre de 1940 a lasel Conservatorio de Moscú , con gran éxito. En 1941, fue galardonado con el Premio Stalin.

HASTA PRONTO.-