CONCIERTO DE ABONO B2 ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA VIERNES 2 DE OCTUBRE 2015

Auditorio Manuel de Falla, 20:30 h
viernes 2 octubre 2015

Concerti Italiani: Venecia y Roma

Arcangelo CORELLI
Concerto grosso núm. 1 en Re Mayor, op. 6
Antonio VIVALDI
Concierto para cuerdas y bajo continuo en Do Mayor, RV 114
Concierto para dos violines, cuerdas y bajo continuo en sol menor, RV 517
Antonio VIVALDI
Concierto para cuerdas y bajo continuo en La mayor, RV 158
Concierto para fagot, cuerdas y bajo continuo en La menor, RV 498
Concierto para cuerdas y bajo continuo en Sol menor, RV 152
Arcangelo CORELLI
Concerto grosso núm. 4 en Re mayor, op. 6
Joaquin Osca fagot
Alexis Aguado y Peter Biely violines

ALEXIS AGUADO director


LA MÚSICA BARROCA.

El compositor italiano y violinista Arcángel Corelli ocupó una posición de liderazgo en la vida musical de Roma durante treinta años, actuando como un violinista y dirigiendo sus actuaciones teniendo gran importancia pública. His style of composition was much imitated and provided a model, both through a wide dissemination of works published in his lifetime and through the performance of these works in Rome.Su estilo de composición fue muy imitado, y proporcionó un modelo, tanto a través de una amplia difusión de las obras publicadas en vida como por medio de la realización de estas. Corelli died a wealthy man on January 19, 1713, at Rome in the 59th year of his life.

Corelli ejerció una gran influencia en sus contemporáneos y en la siguiente generación de compositores. Born in Fusignano, Italy, in 1653, a full generation before Bach or Handel, he studied in Bologna, a distinguished musical center, then established himself in Rome in the 1670s. Nacido en Fusignano, Italia, en 1653, (una generación completa antes de Bach o Haendel), estudió en Bolonia, un distinguido centro musical  se estableció en Roma en la década de 1670. By 1679 had entered the service of Queen Christina of Sweden, who had taken up residence in Rome in 1655, after her abdication the year before, and had established there an academy of literati that later became the Arcadian Academy. En 1679 había entrado al servicio de la reina Cristina de Suecia, que había establecido su residencia en Roma en 1655, después de su abdicación el año anterior, y había establecido allí una academia de literatos que más tarde se convirtió en la Academia de la Arcadia. Thanks to his musical achievements and growing international reputation he found no trouble in obtaining the support of a succession of influential patrons. Gracias a sus logros musicales y creciente reputación internacional no encontró ningún problema en obtener el apoyo de una serie de clientes influyentes. History has remembered him with such titles as "Founder of Modern Violin Technique," the "World's First Great Violinist," and the "Father of the Concerto Grosso." La historia lo ha recordado con títulos como "fundador de la moderna técnica de violín", el "Mundial de Primera Gran Violinista," y el "Padre del Concerto Grosso".

His contributions can be divided three ways, as violinist, composer, and teacher. Sus contribuciones se pueden dividir tres maneras, como violinista, compositor y profesor. It was his skill on the new instrument known as the violin and his extensive and very popular concert tours throughout Europe which did most to give that instrument its prominent place in music. Fue su habilidad en el nuevo instrumento conocido como el violín y sus extensas giras de conciertos muy populares en Europa lo que hicieron más para dar ese instrumento su lugar prominente en la música. It is probably correct to say that Corelli's popularity as a violinist was as great in his time as was Paganini's during the 19th century. Probablemente es correcto decir que la popularidad de Corelli como violinista fue tan grande en su tiempo como era de Paganini durante el siglo XIX. Yet Corelli was not a virtuoso in the contemporary sense, for a beautiful singing tone alone distinguished great violinists in that day, and Corelli's tone quality was the most remarkable in all Europe according to reports. Sin embargo, Corelli no era un virtuoso en el sentido contemporáneo, por un tono de canto hermoso solo distingue grandes violinistas sino por la calidad de su sonido que era el más notable de toda Europa según los informes. In addition, Corelli was the first person to organize the basic elements of violin technique. Además, Corelli fue la primera persona para organizar los elementos básicos de la técnica del violín.

Corelli's popularity as a violinist was equaled by his acclaim as a composer. La popularidad de Corelli como violinista fue igualada por su reconocimiento como compositor. His music was performed and honored throughout all Europe; Su música fue realizada y honrada por toda Europa, in fact, his was the most popular instrumental musde hecho, el suyo era la música instrumental más popular. It is important to note in this regard that a visit of respect to the great Corelli was an important part of the Italian tour of the young Handel. Es importante tener en cuenta a este respecto, que en una visita al gran Corelli, fue una parte importante de la gira italiana del joven Handel. Yet Corelli's compositional output was rather smalSin embargo, la producción compositiva de Corelli era bastante pequeña. All of his creations are included in six opus numbers, most of them being devoted to serious and popular sonatas and trio sonatas.Todas sus creaciones están incluidos en los seis números de su obra, la mayoría de ellos está dedicado a las sonatas graves y populares y sonatas en trío. In the Sonatas Opus 5 is found the famous "La Folia" Variations for violin and accompaniment. En las Sonatas Opus 5 se encuentra las famosas Variaciones "La Folia" para violín y acompañamiento. One of Corelli's famous students, Geminiani, thought so much of the Opus 5 Sonatas that he arranged all the works in that group as Concerti Grossi. Uno de los estudiantes famosos de Corelli, Geminiani, del Opus 5 Sonatas a trío, arregló todos los trabajos de ese grupo como Concerti Grossi. However, it is in his own Concerti Grossi Opus 6 that Corelli reached his creative peak and climaxed all his musical contributions.Sin embargo, es en su propia Concerti Grossi del Opus 6, Corelli alcanzó su pico creativo y culminaron todas sus contribuciones musicales.

Although Corelli was not the inventor of the Concerto Grosso principle, it was he who proved the potentialities of the form, popularized it, and wrote the first great music for it. Aunque Corelli no fue el inventor del principio Concerto Grosso, fue él quien demostró las potencialidades de la forma, lo popularizó, y escribió la primera gran música para él. Through his efforts, it achieved the same pre-eminent place in the baroque period of musical history that the symphony did in the classical period. A través de sus esfuerzos, se logra el mismo lugar preeminente en el período barroco de la historia musical que la sinfonía hizo en la época clásica. Without Corelli's successful models, it would have been impossible for Vivaldi, Handel, and Bach to have given us their Concerto Grosso masterpieces.Sin modelos exitosos de Corelli, habría sido imposible que Vivaldi, Haendel y Bach nos hayan dado sus obras los  Concierto Grosso.

The Concerto Grosso form is built on the principle of contrasting two differently sized instrumental groups. La forma Concerto Grosso se basa en el principio de contrastar dos grupos instrumentales de diferentes tamaños. In Corelli's, the smaller group consists of two violins and a cello, and the larger of a string orchestra. En Corelli, el grupo más pequeño está formado por dos violines y un violonchelo, y el más grande de una orquesta de cuerdas. Dynamic markings in all the music of this period were based on the terrace principle; Marcas dinámicas en toda la música de este periodo se basaron en el principio de la ejecución; crescendo and diminuendi are unknown, contrasts between forte and piano and between the large and small string groups constituting the dynamic variety of the scores. crescendo y diminuendos, contrastes entre forte y piano y entre los grandes y pequeños grupos de cadenas que constituyen la variedad dinámica de las puntuaciones.

Of all his compositions it was upon his Opus 6 that Corelli labored most diligently and devotedly. De todas sus composiciones el Opus 6 fue el más que trabajó con diligencia y devoción. Even though he wouldn't allow them to be published during his lifetime, they still became some of the most famous music of the time. A pesar de que no se publicaron durante su vida  se convirtieron en las más famosas de la música de la época. The date of composition is not certain, for Corelli spent many years of his life writing and rewriting this music, beginning while still in his twenties. La fecha de composición no es seguro, por Corelli pasó muchos años de su vida escribiendo y reescribiendo esta música, que comenzó a sus veinte años.

The Trio Sonata, an instrumental composition generally demanding the services of four players reading from three part-books, assumed enormous importance in baroque music, developing from its earlier beginnings at the start of the seventeenth century to a late flowering in the work of Handel, Vivaldi, Johann Sebastian Bach and their contemporaries, alter the earlier achievements of Arcangelo Corelli in the form. El Trío Sonata, una composición instrumental  interpretada por dos instrumentos melódicos solistas y bajo continuo haciendo las tres partes un todo, supone una enorme importancia en la música barroca, desarrollando desde sus inicios anteriores al comienzo del siglo XVIII a una floración tardía en la obra de Haendel, Vivaldi, Johann Sebastian Bach y sus contemporáneos, y altera los logros anteriores de Arcángelo  Corelli en su forma. LaInstrumentation of the trio sonata, possibly for commercial reasons, allowed some freedom of choice. Instrumentación de la sonata trío, posiblemente por razones comerciales, permitió cierta libertad de elección. Nevertheless the most frequently found arrangement became that for two violins and cello, with a harpsichord or other chordal instrument to fill out the harmony. Sin embargo, el conocer con mayor frecuencia disposición se convirtió en que fuera para dos violines y un violonchelo, con un clavicordio o cualquier otro instrumento de cuerdas para rellenar la armonía. The trio sonata was the foundation of the concerto grosso, the instrumental concerto that contrasted a concertino group of the four instruments of the trio sonata with the full string orchestra, which might double louder passages. La sonata a trío fue el origen del concerto grosso, el concierto instrumental que contrasta un grupo concertino de los cuatro instrumentos de la sonata a trío con la orquesta de cuerda completa, lo que podría duplicar los pasajes más altos.

Corelli's dedications of his Sonatas mark his progress among the great patrons of Rome. Dedicatorias de Corelli de sus Sonatas marcan su progreso entre los grandes patronos de Roma. He dedicated his first set of twelve Church Sonatas, Opus 1, published in 1681, to Queen Christina, describing the work as the first fruits of his studies. Dedicó su primera serie de los doce Iglesia Sonatas, Opus 1, publicado en 1681, a la reina Cristina, que describe la obra como el primer fruto de sus estudios. His second set of trio Sonatas, Chamber Sonatas, Opus 2, was published in 1685 with a dedication to a new patron, Cardinal Pamphili, whose service he entered in 1687, with the violinist Fornari and cellist Lulier. Su segunda serie de sonatas en trío, Cámara Sonatas, Opus 2, se publicó en 1685 con una dedicatoria a un nuevo patrón, el cardenal Pamphili, cuyo servicio entró en 1687, con el violinista Fornari y el violonchelista Lulier. A third set of trio sonatas, a second group of twelve Church Sonatas, Opus 3, was issued in 1689, with a dedication to Francesco II of Modena, and a final set of a dozen Chamber Sonatas, Opus 4, was published in 1694 with a dedication to a new patron, Cardinal Ottoboni, the young nephew of Pope Alexander VIII, after Cardinal Pamphili's removal in 1690 to Bologna. Un tercer conjunto de sonatas en trío, un segundo grupo de doce Iglesia Sonatas, Opus 3, se publicó en 1689, con una dedicatoria a Francesco II de Módena, y un conjunto final de una docena Cámara Sonatas, Opus 4, fue publicado en 1694 con una dedicación a un nuevo patrón, el cardenal Ottoboni, el joven sobrino del papa Alejandro VIII, después de la eliminación del Cardenal Pamphili  en 1690 a Bolonia, el Cardinal Ottoboni became Corelli's main patron, who made it possible for Corelli to pursue his career without monetary worries, and it would seem that no composer has ever had a more devoted or understanding patron.cardenal Ottoboni  convirtió en el patrón principal de Corelli, quien hizo posible que prosiguiera su carrera sin preocupaciones monetarias.

Los logros de Corelli como profesor eran una realidad, estaban de nuevo en circulación. Among his many students were included not only Geminiani but the famed Antonio Vivaldi. Entre sus muchos estudiantes se incluyeron no sólo Geminiani sino el famoso Antonio Vivaldi. It was Vivaldi who became Corelli's successor as a composer of the great Concerti Grossi and who greatly influenced the music of Bach. Fue Vivaldi que se convirtió en el sucesor de Corelli como compositor de la gran Concerti Grossi y que influyó en gran medida la música de Bach. Corelli occupied a leading position in the musical life of Rome for some thirty years, performing as a violinist and directing performances often on occasions of the greatest public importance.Corelli died a wealthy man on January 19, 1713, at Rome in the 59th year of his life.

Corelli murió el 19 de enero, 1713, en Roma a la edad de 59 años, siendo un hombre rico y muy famoso, But long before his death, he had taken a place among the immortal musicians of all time, and he maintains that exalted position today. pero mucho antes de su muerte, había tomado un lugar entre los inmortales músicos de todos los tiempos, y que mantiene esa posición exaltada hoy. 

Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones, cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de la llamada Escuela veneciana (a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los hermanos Benedetto y Alessandro Marcello) y equiparable, por la calidad y originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.

Inserto un vídeo que describe la vida de Antonio VIVALDI mejor que todas las biografías del genio

Concierto para cuerdas y bajo continuo en Do Mayor, RV 114. Interpretación solistas de la O.C.G.

Concierto para dos violines, cuerdas y bajo continuo en Sol menor, RV 517. Interpretación solistas de la O.C.G.

Concierto para cuerdas y bajo continuo en La mayor, RV 158

Concierto para fagot, cuerdas y bajo continuo en La menor RV 498

Concierto para cuerdas y bajo continuo en Sol menor, RV152

HASTA PRONTO.-

UN CONCIERTO PARA RECORDAR TEMPORADA 2015-2016

Magnífico comienzo de temporada de la Orquesta y Coro Ciudad de Granada en el Auditorio Manuel de Falla VIERNES 25 de Septiembre 2015.

Agradable sorpresa en el montaje e hilo conductor presentado por Luis VILAMAJÓ (no anunciado en el programa general de temporada), para la interpretación del Concierto  coral eclesiástico ofrecido por el Coro de la Orquesta Cuidad de Granada con la participación del “Cor de Cambra del Palau” de Barcelona agrupación vocal profesional, hijo menor del “Orfeó  Catalá”, que es embajador por todo Europa y el mundo.

Un coro creado para acceder a los repertorios más  sofisticados  y lograr cotas artísticas del más alto nivel, su versatilidad y su riqueza sonora  son sus herramientas con las que generan  las más profundas emociones, como las que experimentamos anoche en el Auditorio Manuel de Falla de Granada.

Nuestra Orquesta y Coro y solistas,  llenos de empuje y magnífica calidad, contribuyeron hacer una velada inolvidable convirtiendo en un Templo  él  Auditorio Manuel de Falla en los que los aficionados a la música vocal y coral, disfrutamos,  siendo su artífice la extraordinaria dirección de catalán  Luis VILAMAYÓ.

HASTA PRONTO.-

CONCIERTO DE ABONO B1 ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA VIERNES 25 SEPTIEMBRE 2015

Comienza la temporada  2015-2016 de la Orquesta Ciudad de Granada  en su 25 aniversario de su fundación, con una programación muy ilusionante, confeccionada por su director artístico el italiano Andrea MARCON.

 Como todos sabemos MARCON, es organista de prestigio mundial, director orquestal muy valioso en el panorama actual. Su sintonía es hacer que la O.C.G conciba la interpretación y sonoridad  instrumental  como el canto de  la voz humana, que él, conoce a la perfección, para ello hace hincapié en el  género operístico y coral, (dentro de nuestras limitaciones y posibilidades presupuestarias), y resalta la representación  en forma escénica en auditorio, que para el aficionado surte casi el mismo efecto que en un buen teatro de ópera.

 Contamos con la base esencial de la gran calidad del Coro de la Orquesta Ciudad de Granada, ya demostrada en temporadas anteriores dirigido por el catalán Lluís VILAMAJÓ.

Desde estas líneas, le deseamos suerte, en su idea, expuesta en la presentación de la temporada, montar una convocatoria de audición de jóvenes cantantes, promesas de la casa, nacionales e internacionales para comenzar a interpretar óperas de formato pequeño desconocidas, por ejemplo de Wolfang Amadeus MOZART, para próximamente en un futuro  crear un Festival de celebración anual con base en nuestra Ciudad de Granada, contribuyendo la gran calidad del  coro  de la Orquesta Ciudad de Granada, consolidado ya varios años atras. 

El concierto inaugural, tiene un hilo conductor, la música coral eclesiástica con la obra de Antón  BRUCNER  el motete  gradual "Locus Iste", himno cuya traducción “En la Casa de Dios”, (el templo), creado por la Divinidad, para dar cobijo a todas las criaturas, sin miedos y sin maldades, felices por su gracia, marcando así la creación de nuevos templos.
 Continuamos con una misa de Franz SCHUBERT muy temprana y sencilla de su legado genial,dotada de pocos medios, (cuerda, órgano, solistas y pequeño coro), seguida de su “Salve Regina” Salutación gozosa  a nuestra Santísima Virgen Madre de Dios.
 Abordamos  después al gran compositor romántico, Félix MENDELHSON con  tres obras corales, luteranas, ”Denn er hat seinen Engeln befohlen” Porque él ha mandado a sus ángeles por encima”.
 “Richte  mich Got”,  “El juez de mí oh Dios, y defiende mi causa contra una nación impía”.
  “Christe, du Lamm Gottes”,  “Oh Cristo tú cordero de Dios”, que quitas los pecados del mundo.

Terminamos con el compositor,Josef Rheinberger (1839-1901), nacido en Liechtenstein.Con sólo siete años, Rheinberger era organista en la iglesia parroquial de Valduz, y su primera composición se estrenó un año después. En 1851 entró en el Conservatorio de Múnich, donde llegaría a ser profesor de piano y posteriormente profesor de composición. Cuando se disolvió el Conservatorio de Múnich, fue nombrado répétiteur (correpetidor), en el Teatro de la Corte, puesto que dejó en 1867..
Entre sus alumnos se destacó Wilhelm Furtwängler.
"Abendlied" núm. 3, op. 69

Siguen con nosotros, para que se tarde

y el día ha dibujado a su fin.

ABONO B

Coro OCG dirigido por Lluís Vilamajó

Auditorio Manuel de Falla, 20:30 h
viernes 25 septiembre 2015

ABONO B1 (Conciertos de Otoño)

Anton BRUCKNER
Locus iste
Franz SCHUBERT
Misa núm. 2 en Sol mayor, D 167
Salve regina, D 676
Felix MENDELSSOHN
Denn er hat seinen Engeln befohlen
Richte mich, Got
Christe, du Lamm Gottes
Josef RHEINBERGER
Abendlied núm. 3, op. 69
Coro de la Orquesta Ciudad de Granada
Verónica Plata soprano
Francisco Díaz tenor
Víctor Cruz bajo
LLUÍS VILAMAJÓ director

Locus iste (Inglés: Este lugar), WAB 23, es un sagrado motete compuesto por Antón Bruckner de una iglesia. El incipit cuatro voces no acompañados, destinada a la dedicación de la Votivkapelle (capilla votiva) en la Catedral Nueva en Linz, Austria, donde Bruckner había sido un organista de la catedral. Fue el primer motete que Bruckner compuso en Viena. Fue publicado en 1886, junto con otros dos motetes graduales.

Como una composición sin dificultad técnica obvia, se ha realizado por coros de la iglesia y por los profesionales, a menudo para celebrar dedicatorias iglesia

Locus iste

De Wikipedia, la enciclopedia libre

    

Capilla en la Catedral de Linz

Iste Locus es la América  gradual para La  (Missa in anniversario dedicationis ecclesiae), el aniversario de la dedicación de una iglesia.El incipit  Locus iste a Deo factus est traduce en "Este lugar fue hecho por Dios". El más famoso entorno es por el compositor austriaco Anton Bruckner.

El texto se basa en la historia bíblica de la Escalera de Jacob, Jacob diciendo "Ciertamente Jehová está en este lugar, y yo no lo sabía" (Génesis 28:16), y el relato de la zarza ardiente, donde se le dijo a Moisés "quita tus zapatos de tus pies, porque el lugar en que tú estás, tierra santa" (Éxodo 3:

 ^]

Locus iste a Deo factus est, Inaestimabile sacramentum, irreprehensibilis est.

Esta es la casa del Señor, que Él ha hecho. Profundamente sagrado, que está más allá de reprobación.

Una traducción más cercana al latín es:

Este lugar fue hecho por Dios, un sacramento tiene precio;. Es sin reproche.

Fuente Wikipedia.-

La misa n.º 2 en sol mayor D.167 fue compuesta en 1815 por Franz Schubert a la temprana edad de 18 años.

Esta es la más conocida de las tres misas breves compuestas por Schubert. Entre las más elaboradas están la 1.ª y la 5ª misa. La posterior Deutsche Messe o Misa alemana D.872 (una temprana Deutsche Singmesse) y la 6.ª Misa, la última de todas, serían más largas.

La segunda misa, habitualmente llamada "Misa de Schubert en Sol" fue compuesta en menos de una semana (del 2 al 7 de marzo de 1815) el año después de que su primera misa fuera interpretada con éxito en la parroquia original de Schubert. La segunda misa tuvo en origen una partitura más modesta que la primera, exigiendo sólo orquesta de cuerda solistas y un coro. Sin embargo, en los años 1980 se descubrió un grupo de partes de la misa en Klosterneuburg que están datadas posteriormente a la partitura integral de Schubert. No sólo incluyen cambios menores a lo largo de la obra, lo que aparentemente representaría las intenciones "finales" de Schubert, sino que también incluyen partes de trompetas y timbales. Esta versión "final" de la misa está disponible en un cedé Carus (Carus-Verlag también publicó la partitura y partes para esta versión). Más aún, el hermano de Schubert, Ferdinand, también escribió partes para vientos, metales y timbales en respuesta a la gran popularidad de la obra.

La partitura original no se imprimió hasta 1845, varias décadas después de la muerte de Schubert, y hasta entonces había permanecido como una de las composiciones menos conocidas del autor. Tanto, que la primera edición de la misa había sido usurpada por Robert Führer, entonces director de música en la catedral de Vito de Praga, quien, al final, acabó en prisión por estafa.

Aparte de algunos pasajes para solista soprano, las intervenciones de los solistas son muy modestas. Es característico de Schubert estar interesado en un estado de ánimo devocional, conjunto de una composición religiosa, más que en una expresión romántica e individualista del texto (como la que usaría Beethoven, por ejemplo, en sus misas).

Franz SCHUBERT      Salve regina, D 676

Felix MENDELSSOHN           Denn er hat seinen Engeln befohlen

                                                     Richte mich, Got

                                                      Christe, du Lamm Gottes

Josef RHEINBERGER         Abendlied núm. 3, op. 69

Lluís Vilamajó, tenor, director.

Nacido en Barcelona, inició sus estudios musicales en la Escolanía de Montserrat, que continuó en el Conservatorio Municipal Superior de Música de Barcelona. Ha estudiado canto con Margarita Sabartés y Carmen Martínez.

Actualmente es miembro de La Capella Reial de Catalunya, Hespérion XXI (dir. Jordi Savall) y colabora con formaciones como Al Ayre Español (dir. E.López Banzo), Les Saqueboutiers de Toulouse, Ensemble La Fenice, Ensemble Baroque de Limoges e Il Fondamento, con las cuales ha ofrecido conciertos y efectuado grabaciones en diferentes auditorios de Europa, así como también en Estados Unidos, Méjico e Israel.

VERÓNICA PLATA   soprano

Es Licenciada en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad de Granada. Inició su aprendizaje vocal con Marian Bryfdir y actualmente cursa sus estudios de canto en el Conservatorio Superior de Música “Victoria Eugenia” de Granada con Ana Huete. Ha realizado cursos de interpretación y técnica vocal con Carlos Mena, Lambert Climent, Lluís Vilamajo y Gerd Türk.
Como solista ha intervenido en varios conciertos con la Banda Municipal de Música de Granada y colabora asiduamente con el Coro y Orquesta de la Basílica de San Juan de Dios con quienes ha interpretado la ópera “King Arthur” de Henry Purcell en el Fex-Festival Internacional de Música de Granada 2011. También forma parte del Coro de la Orquesta Ciudad de Granada y ha trabajado con directores como Mireia Barrera, Josep Pons, Salvador Mas, Christophe Rousset y Harry Christophers entre otros.
Verónica Plata muestra un especial interés por la música antigua y colabora habitualmente con el Ensemble La Danserye y la Capilla Reial de Catalunya dirigida por Jordi Savall. Asimismo, lleva a cabo una intensa actividad con el Coro Barroco de Andalucía (CBA), con esta agrupación y con la Orquesta Barroca de Sevilla, ha grabado el disco “Serpiente Venenosa. Música en las Catedrales de Málaga y Cádiz en el S. XVIII” bajo la dirección de Diego Fasolis. Con los Solistas del CBA ha interpretado la ópera “Dido y Aeneas” de Purcell en el Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2009 y “Vespro de la Beata Virgine” de Claudio Monteverdi en el Festival de Música Antigua de Sevilla en Marzo de 2010.
En la temporada 2011/12 ha interpretado a diversos personajes de la ópera mozartiana junto a la OCG en el espectáculo familiar “Papageno busca esposa”, y ha participado en la 61ª edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada dentro del espectáculo “Yo soy la locura” de la compañía Claroscuro.


FRANCISCO DIAZ  Tenor

Profesor Superior de Guitarra por el R.C.S.M. “Victoria Eugenia”. Como guitarrista posee varios galardones como el Primer Premio en el Concurso Nacional “América Martínez”. Ha realizado numerosos recitales en marcos como el Festival Internacional de Música de “Úbeda y Baeza”.

Cursa estudios superiores de canto con Ana Huete. Se perfecciona con Carlos Mena. Ha realizado cursos con Martin Smith, Lambert Climent, Andrea Ambrosini, Harry Christophers, Bart Vandewege, Eduardo López Banzo o Lluís Vilamajó.

Colabora con Numen Ensemble, con el que ha representado la ópera Dido & Eneas de H. Purcell en colaboración con el Instituto de Artes Escénicas de Andalucía. También ha grabado dos trabajos discográficos para el sello IBS Classical. Así mismo, canta junto a Capella Prolationum y La Danserye, interpretando música del Renacimiento Español e Iberoamericano. Para el sello Lindoro han realizado el trabajo “Francisco López de Capillas (1614-1674)”. Canta con Al Ayre Español, Coro OCG, Joven Coro Nacional de España, Coro OJA y es tenor refuerzo del Coro de RTVE.

Como solista ha realizado recitales en España y Marruecos. Ha actuado en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada, Festival “Milenio Reino” de Granada, Festival Música Antigua de Úbeda y Baeza. Ha interpretado Misa de Coronación (W.A. Mozart), Litaniae Lauretanae de Beata Virgine (W.A. Mozart), Magnificat in D BWV 243(J.S. Bach) o la Sinfonía nº 9 (L.V.Beethoven).

 

VÍCTOR CRUZ  bajo

Nacido en Guadix (Granada), estudió el grado medio en las especialidades de Guitarra y Canto en el Conservatorio Profesional “Ángel Barrios” de Granada. Actualmente realiza el último curso de sus estudios en Grado Superior de Canto en E.C.S.M. “Victoria Eugenia” de Granada bajo la tutela de María del Mar Donaire, compaginándolos con la especialidad de Pedagogía Musical. Ha recibido clases de interpretación y técnica de maestros como Harry Christophers , Martin Schmidt, Siegfried Gohritz o Christian Von Oldenburg en Berlín.

Como solista ha intervenido en los papeles protagonistas de varias óperas:”El retablo de Maese Pedro” como Don Quijote con la Orquesta del RCSM Victoria Eugenia de Granada bajo la dirección de Bartolomé Pérez, “ Il Secreto de Susanna”, como Gil bajo la dirección de Rafael Simón y Héctor Márquez, y “Dido y Eneas” como Eneas con el Ensamble Barroco de Granada bajo la dirección de Raúl Mallavibarrena

HASTA PRONTO

CONCIERTO DE ABONO A12 ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA AUDITORIO MANUEL DE FALLA JUEVES 28 MAYO 2015

Wolfgang Amadeus MOZART
Sinfonía Núm. 39 en Mi bemol mayor, K. 543

Misa en Do mayor, “de la Coronación”, K. 317
Coro de la Orquesta Ciudad de Granada
Sandra Pastrana soprano
Carlos Mena alto
Diego Blázquez tenor
Ismael Arróniz bajo




ANDREA MARCON director

El Concierto de abono A 12 pone fin a la temporada  2014-2015 de la Orquesta Ciudad de Granada un broche de oro a sus actuaciones  en el Auditorio Manuel de Falla,dirigido por su director artístico Andrea MARCON. Comienza la temporada que viene el 25 aniversario de su fundación,    .

Wolfgang Amadeus MOZART
Sinfonía Núm. 39 en Mi bemol mayor, K. 543

Compuesta a mediados de 1788 junto con las dos siguientes, estrenada en fecha incierta tras la muerte del compositor. Algunos la consideran la Sinfonía Masónica por excelencia.

Las tres últimas sinfonías de Mozart suponen la culminación del clasicismo formal vienés que Haydn (104 sinfonías) y dejan la vía abierta para el posterior romanticismo  de los compositores  centroeuropeos. Pese a lo mucho que se ha escrito al respecto, no existe un “sentimiento romántico” en las últimas sinfonías  de Mozart sino más bien un halo vehemente y jubiloso que se desprende de la propia belleza intrínsica de la composición musical. Para Mozart, la música era, ante todo, música, por encima de las pasiones, desgracias o fortunas, aunque en determinadas ocasiones los aspectos más conocidos de la complicada situación personal del compositor en sus últimos años puedan dar pie a pensar en un acento expresivo que a menudo se confunde con los propios creativos del Romanticismo. Por el contrario, Mozart es un milagro de equilibrio y perfección que la crítica exegética no puede explicar y que hace que su música sea universal y sobreviva a cualquier movimiento creativo de posteriores épocas.

Mozart consiguió superar los esquemas iniciales sinfónicos de los compositores de la escuela Mannheim y se significó en obtener un equilibrio sonoro entre volúmenes de los instrumentos de cuerda y viento y en una caracterización de las ideas temáticas asociadas a determinados timbres orquestales. Mozart no solo valoraba las capacidades técnicas de un instrumento sinp su individualización tímbrica y posibilidades combinatorias, ya que en semejanza, ya en contraste. El protagonismo de los clarinetes en el trío  del minueto de la obra que hoy comento es una buena muestra de los anteriormente dicho. Por otra parte, la abundancia de ideas temáticas en las composiciones de Mozart, con fraseos largos, elocuentes y expresivos, son una superación  del estilo de Haydn, fundamentados en motivos cortos y muy caracterizados. Con ello, Mozart deja la puerta abierta a un inmenso campo de posibilidades en la sintaxis musical.

Las tres últimas sinfonías de Mozart (Sinfonías 39,40 y 41) fueron escritas en un tiempo record de seis semanas y jamás se ejecutaron en vida del autor. Son verdaderas obras maestras de una expresividad, dramatismo y densidad nunca alcanzados hasta entonces y suponen como digo  al principio, la más plena culminación de la sinfonía clásica y de la obra sinfónica del compositor. Fueron escritas estas piezas en uno de los periodos más oscuros de la vida del compositor. Su situación económica y personal era muy precaria; su “Don Juan “, si bien ha tenido gran éxito en su estreno en Praga, no logra seducir a los vieneses; y, por si no fuera poco, su hija Teresa fallece tres días después de completar la sinfonía 39.-

FUENTE: WikipediA.-

 

Esta obra consta de cuatro movimientos:

• I. Adagio - Allegro.
• II. Andante con moto.
• III. Menuetto: Trío.
• IV. Allegro.

I. Adagio - Allegro.

El primer movimiento empieza con una introducción majestuosa (Adagio) con unas fanfarrias a cargo de la sección del metal. A continuación viene un Allegro en forma sonata, con algunos contrastes muy marcados de intensidad, muy en el estilo galante que forma parte de sus primeras sinfonías. La independencia de la sección de viento, la gran interacción de las partes en general, y el hecho de que el segundo tema en aquellas sinfonías tempranas era, parafraseando a Alfred Einstein, "siempre completamente trivial" -que no es el caso de la n.º 39-, se combina con el segundo grupo que contiene unos cuantos temas, incluyendo un "tema que camina", especialmente adecuado. Estos son sólo algunos de los puntos que distinguen este movimiento de aquellas obras de juventud, con las que tiene más diferencias que similitudes.

II. Andante con moto.

El movimiento lento, en la forma sonata abreviada, es decir, sin la sección del desarrollo, empieza silenciosamente en la sección de cuerda y se expande al resto de la orquesta. Caracteriza a este movimiento el material principal y las transiciones bastante agitadas y enérgicas. La comparación con la quinta sinfonía de Franz Schubert sugiere que podría haber tenido esta sinfonía de Mozart como referente.

III. Menuetto: Trío.

El minueto y el trío son muy interesantes. El trío es una danza folclórica austríaca denominada "landler" y presenta un solo de clarinete. El Menuetto es enérgico es incitado por el carácter del trío con el segundo clarinete que toca arpegios en su registro grave, el de chalumeau.

IV. Allegro.

El movimiento final también sigue la forma sonata; el tema principal del cual, como en el último Quinteto de cuerda en re, es básicamente una escala, ascendiendo y descendiendo. La sección del desarrollo es dramática; no hay ninguna coda, pero tanto la exposición, como el desarrollo en la parte final de la recapitulación, son repetitivos.

 

 

 

 

  Misa en Do mayor, “de la Coronación”, K. 317

Mozart escribió esta misa en la primavera de 1779 para las celebraciones de Pascua, y al igual que toda la música compuesta en este periodo muestra su madurez compositiva. Es ya su decimosexta misa.

Parece ser que el sobrenombre de esta misa se debe a que fue interpretada en Viena durante las celebraciones de la coronación de Leopoldo II, en 1791, o la del emperador Francisco II, en 1792.

Fechada, pues, en marzo de 1779, se trata de una obra evolucionada y brillante, de orquestación eminentemente sinfónica.

 

El Kyrie empieza sin preámbulo orquestal, con un Andante maestoso y tras una introducción coral que nos lleva a un Piu andante, parte solista de soprano y tenor, que entonando el Christe eleison, en modo menor, retoman el Kyrie de nuevo, en modo mayor, para terminar con el Andante maestoso cantado por el coro en su conjunto.

De modo análogo se inicia el Gloria. Mozart reparte el texto entre las partes solistas desde Domine Deus. Más adelante recurre a una especie de estilo motete (Misere, Suscipe) con breves imitaciones previas. Tu solus Altissimus impone a la soprano las notas más agudas; Jesu Christe las más graves. Esto, como también el fugato que empieza con los solos, pertenece al vocabulario tradicional de la exégesis.

El Credo se interpretaba después del sermón. Mozart lo inicia con un preludio orquestal de sólo cuatro compases y la declamación homófona de las sílabas. Vigorosos acentos forte-piano subrayan las palabras Dominum Jesum Christum, líneas descendentes describen el Descendit de caelis y Et incarnatus est. Sigue el Crucifixus con alteraciones armónicas, y un vacilante Et sepultos est. Et resurrexit refleja la Resurrección y Et unam sancta ecclesiam se aferra a la tonalidad de Do Mayor, que es la tonalidad madre de la Misa.

El Sanctus es conciso; la mención del Cielo (in excelsis) induce a Mozart a componer extensas modulaciones cantadas sin texto.

El Benedictus, que forma parte en realidad del Hosanna, fue separado de éste y musicalizado tras su conversión, mientras se continuaba el misal en silencio. Mozart empieza por escribir el preludio para cuerdas, de diez compases, y una parte expresiva para solistas.

En el Agnus Dei, el comienzo del solo de soprano guarda un parecido muy grande con el comienzo del aria de la Condesa de Almaviva “Dove sono i bei momenti”, nº 19, de Las bodas de Fígaro (1785/86), hecho que ha dado pábulo a considerar las obras religiosas de Mozart como eminentemente operísticas; termina el Agnus Dei con una semicadencia sobre la dominante de Do Mayor y, a partir de aquí, empieza el Dona nobis pacem que toma el tema del Kyrie, que inició la soprano solista, como un deseo de unidad y cohesión interna de la Misa.

  -  Kyrie
- Gloria
- Credo
- Sanctus
- Benedictus
- Agnus Dei

HASTA PRONTO.-

CONCIERTO DE CÁMARA OFRECIDO POR ENSAMBLE HEMIIOLIA CON MOTIVO DEL XX ANIVERSARIO DE LA ASOCIACIÓN DE AMIGOS DE LA ORQUESTA CIUDAD DE GRANADA EN EL PATIO DE LA CASA DE LOS TIROS EL 16 DE MAYO 2015.

RECUERDO DEL SEGUNDO CONCIERTO DE CÁMARA ANIVERSARIO AMIGOS O.C.G.  CUERDAS (VIENTO- MADERA).

 

W.A. Mozart (1756-1791)

Cuarteto para flauta y cuerdas KV 285 en Re mayor

Allegro, Adagio, Rondeau

 

F. Devienne (1759-1803)

Cuarteto para fagot y cuerdas op. 73

Allegro,Spirituoso, Adagio cantábile, Allegro moderato.

 

W.A. Mozart (1756-1791)

Allegro, Adagio, Rondeau:Allegro “Ram”.-

 

Integral de Cuartetos para flauta y cuerda (Se interpretó el núm. 1 KV285 en Re mayor).

Son cuatro los cuartetos para flauta y cuerda compuestos

por Mozart, con frecuencia numerados correlativamente

del uno al cuatro, situados en Mannheim

y fechados entre diciembre de 1777 y febrero de 1778,

como si formaran una colección, pero según los investigadores

de su obra —Saint-Foix, Massin, etc.— esa

unificación no es exacta.

 

De acuerdo con este criterio, el carácter de grupo es

aplicable únicamente a los tres primeros, compuestos

en las fechas indicadas, de los que el primero, en Re

mayor, aparece ya en el catálogo de Kóchel con el número

285. Los otros dos, en Sol mayor y Do mayor,

fueron incorporados al orden de Kóchel por Einstein

con los números 285a y 285b.

 

Corresponden a la estancia de Mozart en Mannheim

con la esperanza fallida de quedarse en la capilla de

la Corte. Su entrega a las tres obras responde al encargo

del médico Ferdinand De Jean, tenido entonces por

rico holandés, que le llega a través de su amigo, el flautista

y compositor Johann Baptist Wendling.

 

Al referirse a este encargo, Mozart afirma en febrero

de 1778 haber compuesto tres cuartetos y dos concertinos

para De Jean. Los tres cuartetos son los mencionados,

y de los concertinos sólo uno es original para

la ocasión, el escrito en Sol mayor K. 313, llamado

Dejean. El otro es una trasposición para flauta del compuesto

en Salzburgo en el verano de 1777 para oboe,

en Do mayor K. 27 lk, que transporta a Re mayor,

y que ha quedado como K. 314.

 

Con estos antecedentes no hay duda de que el número

cuatro queda fuera del grupo anterior. Se trata

del Cuarteto en La mayor K. 298, que ha sido situado

en Viena, posiblemente en 1787. Lo confirma, además,

la clara diferencia entre los tres primeros, escritos

de forma sucesiva, y el cuarto.

 

Los tres primeros han sido calificados por algunos

biógrafos como productos alimenticios, puesto que Mozart,

más que responder a una intención personal, atendía

un encargo —por 200 florines— para procurarse

ingresos en su difícil situación económica en Mannheim.

Pero, en cualquier caso, son los cuatro los que forman

la integral de su obra en el cuarteto para flauta y trío

de cuerda.

 

Cuartetos para flauta y cuerda núms. 1, 2 y 3, K. 285,

285a y 285b

 

Aunque Mozart sólo tratara de cumplir con el encargo,

lo cierto es que el resultado va más allá de la

música de entretenimiento; eso sí, dentro de su planteamiento

en el estilo galante. Desde el punto de vista

de las formas, rompe en parte el equilibrio, dando

mayor relieve a la flauta en un conjunto concertante.

Sin embargo, el vuelo del tiempo lento del primero

se apoya en una mayor profundidad y expresividad que

enlaza, sin pausa, con el brillante Rondó final. En los

otros dos es más conciso, como ateniéndose con rigor

al deseo de Ferdinand De Jean, que quería obras cortas

y fáciles. Detrás de este doble juego de cumplir y

liberarse del encargo, es probable que se esconda el mínimo

interés de Mozart por la flauta, lo que no deja

de ser una paradoja divertida y curiosa en el que iba

a ser autor de una obra maestra llamada La flauta mágica.-

 

 

 

 

Desde 1638, cirio en que se publicó el libro del español Bartolomé

de Selma, basta bien avanzada nuestra época, este ciclo nos

propone un recorrido histórico de casi cuatro siglos alrededor de la

literatura musical para el fagot, el instrumento grave de la familia

del viento-madera. En tan largo período, el instrumento ha evolucionado

con mucha intensidad, desde el bajón que tanto se utilizó

en las capillas musicales del Antiguo Régimen hasta el fagot contemporáneo.

Pero el prototipo organológico ha mantenido unas

constantes a través de la obtención del sonido mediante la doble

lengüeta, y tanto en los grupos orquestales como en la música de

cámara ha originado obras de gran belleza

En las décadas finales del siglo XVIII apareció en la escena musical

francesa, al lado de Cherubini, Grêtry y Mehul, un joven compositor

e instrumentista: FRANÇOIS DEVIENNE. Tocaba de forma

virtuosa dos instrumentos muy diferentes, la flauta y el fagot.

Su Método de Flauta, aparecido en 1794, dio prueba de sus excepcionales

cualidades pedagógicas. Esta célebre obra le proporcionó

una plaza de profesor en el Conservatorio de París, fundado

poco después, y sirvió a numerosas generaciones de flautistas

tras su prematura muerte.

Devienne trabajó como instrumentista de viento en numerosas

orquestas de París, tocando frecuentemente sus propias obras como

solista. Sus contemporáneos realzaban el carácter tierno y melancólico

en su forma de tocar el fagot.

Fue un compositor muy prolífico: escribió numerosas óperas,

muchos conciertos para flauta y para fagot, así como numerosas

obras de música de cámara en las que dio un papel de solista al

fagot.

 

Los tres Cuartetos para fagot, violín, viola y violoncello, nos

muestran de forma magnífica el elegante estilo con que trataba las

cualidades sonoras de este instrumento: Fueron publicados hacia

1800, y poco después los publicó como Op. 75 sustituyendo al fagot

por el clarinete.-

 

 

Cuarteto en Fa mayor para oboe, violín, viola y violonchelo,

K. 370 (368b)

Después de los cuartetos para flauta y trío de cuerdas

(cuatro o tres más uno, como comentamos en el

segundo programa de este ciclo) compuestos por Mozart

en Mannheim entre 1777 y 1778, este Cuarteto

en Fa mayor es su primer nuevo contacto con la combinación

viento-cuerdas.

 

Estamos en los primeros meses de 1781, el escenario

ya no es Mannheim, ni siquiera Salzburgo, sino Munich.

Mozart está en uno de sus intensos períodos creadores.

Se interesa tanto en componer, que renuncia a

su pasatiempo habitual, el teatro,porque —dice—por

la noche es cuando se compone mejor. Llega el estreno

de Idomeneo y, liberado del trabajo que ha supuesto,

cumple el compromiso de escribir este Cuarteto en

Fa mayor para su amigo el oboísta Friedrich Ramm.

La relación y posterior amistad entre ambos había empezado

en 1777, tras ser presentados en casa de Christian

Cannabich.

 

Mozart sigue un plan concertante que no impide un mayor

lucimiento del oboe en razón, sobre todo, de la

expresividad de su timbre. Los contrastes se establecen

entre la mayor profundidad del primer movimiento

—que conserva en el Adagio central en Re menor—

y el carácter animado del Rondó final.

 

Friedrich Ramm, que lo estrenó, ha dado sobrenombre

a la obra, mencionada ocasionalmente como Cuarteto

«Ram».

 

 HASTA PRONTO.-